von VANDERLEI TENÓRIO*
Aus Hitchcocks Sicht war es wichtig, dass das Publikum mehr wusste als die Charaktere, um Spannung zu erzeugen.
Der Hitchcock-Stil beinhaltet die Verwendung von Kamerabewegungen, um den Blick einer Person nachzuahmen, die Verwandlung von Zuschauern in Voyeure und die Entwicklung von Aufnahmen, um Angst und Furcht zu maximieren. Der Filmkritiker Robin Wood sagte, dass die Bedeutung eines Hitchcock-Films „in der Methode liegt, im Fortschritt von Einstellung zu Einstellung. Ein Hitchcock-Film ist ein Organismus, in dem sich das Ganze in jedem Detail manifestiert und in dem jedes Detail mit dem Ganzen verbunden ist.“
In Zusammenarbeit für die Website Faktenspiegel, beschrieb Miguel Cunha dos Santos, dass die Kamera für Hitchcock viel mehr als ein Instrument zum Aufnehmen von Bildern war. Was auch immer der Filmemacher verwendete, sie hatten einen Zweck, der über ihre Hauptfunktion hinausging. Die Kameras waren die Augen des Zuschauers und durch sie erzählte und konstruierte Hitchcock die Erzählungen.
Bei dieser Gelegenheit analysiert Cunha, dass der Dialog für den Filmemacher, obwohl er grundlegend und immer präsent war, nichts weiter als ein einfaches Geräusch inmitten vieler anderer war. Es diente dazu, Geschichten zu erzählen, weil es Teil des Menschseins ist: Es ist, wer wir sind, und es ist unser wichtigstes Kommunikationsmittel. Dennoch waren in den Filmen des Meisters der Spannung die Dialoge auf einer niedrigeren Ebene angesiedelt als die visuelle Erzählung.
Aus Hitchcocks Sicht war es wichtig, dass das Publikum mehr wusste als die Charaktere, damit der wahre Moment der Spannung entstehen konnte: der Moment, in dem wir wissen, dass etwas passieren wird, dass die Figur in Gefahr sein könnte und so weiter Der nervöse Zuschauer möchte einfach nur schreien "Aussteigen!".
Hitchcock setzte am Anfang seiner Filme einen Mord oder ein Verbrechen ein, damit der Zuschauer neugierig war, wie sich die Handlung entwickeln würde und wie sie ausgehen würde. Sérgio Alpendre sagt, dass die von Hitchcock vorgeschlagenen visuellen Ideen immer wieder auffallen, das heißt, dass der Regisseur seit seinen Stummfilmen erkannte, dass er die Aufmerksamkeit durch das Visuelle auf sich ziehen musste, um die Zuschauer zu fesseln, da er nicht über Audio als Mitwirkender verfügte.
Alpendre betont, dass der in den Filmen des Regisseurs dargestellte Tod dann ein bemerkenswertes Ereignis wäre, das die Zuschauer als Augenzeugen darstellt, unabhängig davon, ob sie unparteiisch sind oder mit einem der Beteiligten sympathisieren. Normalerweise am Anfang platziert, ermutigt es den Zuschauer, sich den Rest des Films anzusehen und zu sehen, wie die Geschichte enden wird.
Im Jahr 2018 wurde der Artikel in der Zeitschrift veröffentlicht Displinarium Scientia, geschrieben von Eduardo Biscayno de Prá und Michele Kapp Trevisan hob einen weiteren großen Unterschied in Hitchcocks Filmen hervor: den Ton. Der Engländer erkannte schon früh, dass die Behandlung von Klang dazu beiträgt, die Aufmerksamkeit des Publikums zu fesseln. In der Masterarbeit mit dem Titel „Musik in der Konstruktion filmischer Erzählung (Alfred Hitchcock & Stanley Kubrick)“, erklärte Ana Patrícia da Silva Gonçalves, dass Hitchcock die Verwendung von Ton in Filmen seit seinen ersten Tonfilmen als einen neuen Ausdruck der Filmkunst betrachtete – Ton trug dazu bei, Gefühle wie Aufregung, Spannung und sogar … zu erzeugen drücken Sie aus, was impliziert ist, den unausgesprochenen Subtext.
Musik war ein weiterer wichtiger Bestandteil in den Filmen des Regisseurs. Hitchcock nutzte Musik, um Spannung zu erzeugen oder aufrechtzuerhalten, die Emotionen oder Stimmungen auszudrücken, die er in der Szene haben wollte, und um eine Vertrautheit zwischen dem Publikum und dem Film zu schaffen, indem er eine bestimmte Figur mit einem bestimmten Klang oder einer bestimmten Melodie verband. Daher war es eine wichtige Tatsache, dass es Hitchcock darum ging, durch Emotionen eine Verbindung zu den Zuschauern herzustellen.
Um die Bedeutung des Soundtracks für die technische Strukturierung zu bestätigen, können wir als Beispiel den einprägsamen Soundtrack anführen, der von Bernard Herrmann (1911-1975) komponiert wurde Psychose (1960). Im Spielfilm besteht der Soundtrack selbst aus insgesamt 34 Einblendungen im gesamten Film zu unterschiedlichen Themen – das bedeutet, dass es im gesamten Film 34 Szenen mit Musik gab, während der Rest des Films aus Dialogen bestand oder stille Szenen.
Daher orientierte sich der Ton in den Filmen des Regisseurs mehr an der Partitur als an der Sprache der Charaktere, wodurch zeitweise eine Atmosphäre der Spannung entstand, die die vom Regisseur beabsichtigten Absichten widerspiegelte. Das Schweigen der Charaktere, das als dramatische Pause genutzt wurde, verstärkte die Atmosphäre der Spannung und weckte die Neugier der Zuschauer.
Im Einklang mit der Hitchcockschen Erzählung hatte der englische Filmemacher seine eigene Erzählmethode, die er MacGuffin (manchmal McGuffin oder Maguffin) nannte und die darin bestand, ein Objekt in die Handlung einzuführen, dessen Funktion lediglich darin bestand, als Vorwand für die Weiterentwicklung der Geschichte zu dienen. Geschichte, scheinbar zufällig zur Entwicklung der Erzählung.
Jorge Louraço bekräftigte, dass der MacGuffin die Motivation für die Handlung der Figur ist, ein Vorwand, um die Handlung in Gang zu setzen und die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu aktivieren – um beispielsweise den MacGuffin im Film besser zu visualisieren Psychose Es ist das Geld, das dem Chef gestohlen wurde. Geld wird nur verwendet, um die Figur Marion Crane zum Bates Motel zu fahren, doch bei der Ankunft im Motel verliert Geld im Laufe der Geschichte seine Bedeutung.
Baucharaktere:
Shana Silveira Torres beschrieb, dass Hitchcock viel am Profil seiner Charaktere gearbeitet habe, da er der Meinung sei, dass sie im gesamten Film keine lineare Identität haben sollten, da der Konflikt sofort offengelegt würde und der Zuschauer daher nicht daran interessiert sei Parzelle. An dieser Stelle klassifiziert sie die typisch Hitchcockschen Charaktere, also die Charaktertypen, die in den Filmen des Regisseurs vorkommen, in drei Hauptarchetypen, nämlich: die eisige Blondine, den Bösewicht und den Helden.
Sie erklärt, dass Hitchcock viel Energie in die ästhetische Komposition seiner Musen gesteckt habe, ihm gefalle es nicht, wenn die Studios eine Schauspielerin auswählten, die nicht elegant, blass und blond sei. Hitchcocks Blondinen sind größtenteils unabhängige Frauen, die arbeiten und kein Leben führen, das auf häusliche Aufgaben beschränkt ist, oder gar Sozialisten gut gekleidet und elegant.
In Bezug auf Bösewichte konzipierte Hitchcock Personen der keine Skrupel hatte. Das Genie des Horrors glaubte, dass eine Figur beim Betrachter sowohl Gefühle der Abneigung als auch der Identifikation hervorrufen sollte, um ihn zu verwirren und so Bindungen zu schaffen. Hitchcocks Schurken sind gut konstruiert, vor allem weil sie nicht in der gesamten Handlung das gleiche lineare Profil haben und möglicherweise am Ende des Films sogar zum Opfer werden, als Beispiel zitiere ich Kim Novak in Ein Körper, der fällt (1858), der am Ende des Films von der Spitze eines Kirchturms stürzt.
Und schließlich hat der Held ebenso wie der Bösewicht im gesamten Film keine lineare Identität. Hitchcock erschuf seine Schurken und Helden unter dem gleichen Vorwand, damit der Zuschauer sowohl Qualitäten als auch Mängel in den Charakteren sehen konnte, so dass es erst am Ende des Films, mit dem Ergebnis, Gewissheit über seinen Charakter geben würde. Viele seiner Helden werden zu Unrecht beschuldigt und werden fälschlicherweise schuldig, aber im Allgemeinen besteht sein Zweck darin, den Verbrecher vor der Gesellschaft zu entlarven.
In Filmen können wir verschiedene Arten von Helden finden, angefangen vom Vertreter des Gesetzes bis hin zum Wählen Sie M, um zu töten (1954) an diejenigen, die darum kämpfen, ein Verbrechen aufzuklären, wie James Stewart (1908-1997). Indiskretes Fenster (1954), die, als sie das Verschwinden einer Nachbarin bemerkt, vermutet, dass sie von ihrem Ehemann ermordet wurde.
Vor diesem Hintergrund betone ich noch einmal, dass der Held und der Bösewicht beim Zuschauer unterschiedliche Gefühle hervorrufen müssen, damit sie sich mit denselben identifizieren und Bindungen aufbauen können. Sowohl der eine als auch der andere weisen im Laufe des Films ihre Qualitäten und Mängel auf.
Die weibliche Rolle in Hitchcocks Werken:
Tiago Svaletti erläutert, dass Frauen in Hitchcocks Filmen unterschiedlich stark sichtbar sein können. Ihm zufolge wären die ersten die abwesenden oder allgegenwärtigen Frauen, die den Film dominieren, ohne jemals auf der Leinwand zu erscheinen. Ein Beispiel ist Rebecca selbst aus dem Film Rebecca' (1940), die, selbst seit Beginn des Films tot, durch Kommentare über sie und Objekte mit eingravierten Initialen präsent ist.
Die undurchsichtigen Frauen hingegen werden von Stivaletti als diejenigen beschrieben, die ein großes Geheimnis um sich haben, die am Ende ihre Figur stärken und die männlichen Charaktere verzaubern, die sowieso versuchen werden, sie zu enträtseln. Ein Beispiel ist die von Kim Novak gespielte Blondine Ein Körper, der fällt.
Und schließlich erwecken die transparenten Frauen, also diejenigen, die der Zuschauer und die meisten Figuren kennen und die volle Kontrolle über ihre Gefühle und Gedanken haben, am Ende weniger Charme. Sie sind in der Regel Opfer männlicher Charaktere, wie im Fall der Oscar-Gewinnerin für die beste Hauptdarstellerin (1955), Grace Kelly Wählen Sie M, um zu töten (1954) oder sogar Opfer allgegenwärtiger Frauen, wie die Oscar-Gewinnerin für die beste Hauptdarstellerin (1942), Joan Fontaine Rebecca – Fontaine gewann einen Oscar für Verdacht (1941), ein klassischer Thriller unter der Regie von Hitchcock, nach einem adaptierten Drehbuch von Samson Raphaelson und Joan Harrison.
Ich behaupte jedoch, dass es keinen Zweifel daran gibt, dass Hitchcock einer der Pioniere des modernen Kinos war. Von Filmen, die damals ein ganzes Publikum manipulierten, durchbrach er die Barrieren zwischen Terror und Spannung und enthüllte noch unbekannte Teile der menschlichen Psyche. Der Filmemacher ist „unsterblich“, da er einen enormen Beitrag zum Horror und seinen Subgenres geleistet hat. Hitchcock hat den modernen Horror nicht nur geschaffen, er hat ihn auch bestätigt.
*Vanderlei Tenorio Bachelor-Abschluss in Geographie an der Federal University of Alagoas (UFAL).
Referenzen
ALPENDRE, Sergio. Tod und Lüge im Kino des jungen Hitchcock. In: PINHEIRO, Mariana (Org.). Hitchcock. São Paulo: CCBB – Banco do Brasil Cultural Center, 2011. p. 59-66.
GONÇALVES, Ana Patricia da Silva. Musik in der Konstruktion filmischer Erzählung (Alfred Hitchcock & Stanley Kubrick). 2014. 90f. Dissertation (Master in kultureller und literarischer Vermittlung) – Universität Minho, Institut für Literatur und Humanwissenschaften, Braga, Portugal, 2014.
LOURACO, Jorge. Redewendungen des Unaussprechlichen in „Gespräche mit meinem Vater“. Brillendossier – Gespräch mit meinem Vater. Schwarzer Raum, Sao Paulo. v. 14, Nr. 2, S. 182-186, 2014.
TORRES, Shana Silveira. Die Kostüme der Doppelgänger und Charaktere mit gespaltener Persönlichkeit in den Filmen „A Body That Falls“ und „Dial M to Kill“ von Alfred Hitchcock. 2012. 94f. Monographie (Abschluss in Journalismus) – Bundesuniversität Rio Grande do Sul, Porto Alegre-RS, 2012.
STIVALETTI, Thiago. Die Hitchcock-Frau: Abwesenheit, Undurchsichtigkeit, Transparenz. In: PINHEIRO, Mariana (Org.). Hitchcock. São Paulo: CCBB – Banco do Brasil Kulturzentrum, 2011.
PRÁ, Eduardo Biscayno de; TRIVISAN, Michele Kapp. Hitchcock-Stil: Systematisierung seiner Merkmale in der audiovisuellen Erzählung. Zeitschrift Disciplinarum Scientia. Reihe: Kunst, Briefe und Kommunikation, Santa Maria, v. 19, nein. 1, S. 45-56, 2018.
