von MARCELO GUIMARÃES LIMA*
Kommentar zum grafischen Werk von Glauco Rodrigues
Das grafische Werk des Malers, Graveurs und Designers Glauco Rodrigues war das Thema der Ausstellung im Caixa Cultural Space an der Avenida Paulista in São Paulo im Jahr 2011. 1950 und gestorben im Jahr 1929.
Beginnend mit regionalen Themen aus seiner Heimat Rio Grande do Sul: der Gaucho in Aktion auf dem Land, aber auch mit Bildern, die sich mit den populären politischen Kämpfen dieser Zeit auseinandersetzen, ist das konstante brasilianische Thema ein wichtiger Leitfaden im grafischen Werk des Gaucho-Künstlers und in der oben genannten Ausstellung. Thema, das sowohl die regionalen als auch die nationalpopulären Aspekte seiner anfänglichen künstlerischen Entwicklung umfasst, sowie die Projektion und Vermittlung bzw. Medienkonstruktion Brasiliens im Zeitalter elektronischer Bilder und Massenkultur in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts.
Tatsächlich könnte man sagen, dass der Künstler in seinem reifen grafischen Werk die ästhetische und politische Frage nach dem Bild Brasiliens und der brasilianischen Kultur und damit auch die Frage nach dem Bild in der zeitgenössischen Kunst auf neue Weise neu bearbeitet.
Pop Art ist der unmittelbare Kontext oder Vorwand für seine Wiederaufnahme der Figuration Mitte der 1960er Jahre, nach Phasen, die modernisierende Strömungen oder Stile und Abstraktion widerspiegelten. Eine Wiederaufnahme, deren Hintergrund die Entstehung der modernen Massengesellschaft und der neuen Kommunikationsmittel ist, d. strukturell usw.
Das reife Werk von Glauco Rodrigues dokumentiert durch Veränderungen im Bild und Selbstbild Brasiliens in dieser Zeit das Aufkommen der Massengesellschaft und neuer Kommunikationsmittel beim Aufbau der Zeitgenossenschaft, einer Zeit, die von wirtschaftlichen, sozialen und kulturellen Veränderungen geprägt war durch die politische Krise der Militärdiktatur, durch die die traditionellen Eliten und dominanten Gruppen mit Interessen am Prozess der wirtschaftlichen Unterordnung der Nation versuchten, mit diktatorischen Mitteln, über den Weg des Autoritarismus und der institutionalisierten Gewalt, ausschließlich strukturelle Prozesse zu kontrollieren und zu lenken Kursänderungen und daher die Übernahme der Ideologie des Kalten Krieges, die verinnerlicht wurde, um die Zerstörung der damals noch jungen und unreifen brasilianischen Demokratie zu rechtfertigen (jede Ähnlichkeit mit der Gegenwart darf kein Zufall sein).
Strategien der Hybridisierung, Karnevalisierung, Befruchtung und Auseinandersetzung zwischen Populärem und Gelehrtem, Stadt und Land, Vergangenheit und „Gegenwart-Zukunft“, Nationalem und Fremdem, Wiederholung und Singularität, Original und Kopie, Verschmelzungen, Pastiche usw., die in der Popmusik und im Theater, aber auch im Kino und sogar in der Literatur charakterisierten Tropenismus, werden auf ihre eigene Weise im Stich von Glauco Rodrigues reflektiert, dokumentiert oder dargestellt, und zwar in dem, was der ästhetische und ideologische Kontext erlaubte oder sogar verlangte, eine ironische und kritische Gegenüberstellung oder Identifizierung der gegensätzlichen Pole, der Darstellung und sogar der Verschmelzung realer oder imaginärer Dualismen, die für die brasilianische Gesellschaft und Kultur oder Kulturen konstitutiv sind, in hybriden, vergänglichen, prekären Einheiten, aber manchmal mit großem poetischem und erneuerndem Potenzial.
Ein „handgefertigter“ São Sebastião, linear, grafisch wie mit einem Stichel modelliert, geschwungen, träge und barock, wird vor einem flachen Hintergrund aus kräftigen Farben in vereinfachten Formen dargestellt, der einige Stile der Pop-Grafiksprache widerspiegelt und prägnant zeichnet , charakteristisch die Landschaft des Zuckerhuts und Guanabaras.
Tanz, Karneval, das direkte oder indirekte Universum der Massenpoetik, Fernsehen, Kino, gedruckte Bilder, Alltagsjournalismus sind einige der Quellen und Themen der Stiche von Glauco Rodrigues ab den 1960er Jahren.
Diese Stiche stellen beispielsweise die Stadtlandschaft von Rio de Janeiro und ihre Veränderungen dar, in überlappenden und zeitlichen, stilistischen und technologischen Mischungen, durch die historische Chronik in Bildern, die Zeiten, Sprachen und grafische Techniken vermischen, reproduzieren, distanzieren und annähern . Verschiedenes.
Und sie porträtieren auch den „brasilianischen Mann“ in seiner Spezifität und in seinen charakteristischen Typen. Genauer gesagt, in der Spezifität der körperlichen und rassischen Typen, Bewegungen, Gesten, Körperhaltungen, kurz gesagt, der dargestellten Körpersprache. Die Bilder von Glauco Rodrigues vermitteln ein Gefühl der Vertrautheit, ein Bewusstsein dafür, dass es genau um uns Brasilianer geht.
Nun verschmelzen und distanzieren Amalgame ihre Elemente. Auf den klaren und präzisen Oberflächen dieser Gravuren entsteht eine Wirkung der Kontemplation, der Distanz und einer Art „vertrauter Entfremdung“. Kontemplation schafft ein „Anderes“, in dem wir paradoxerweise uns selbst erkennen, etwas von dem, was wir waren und sind, als lebendige Erinnerung, in der Erinnerungsdimension der Gegenwart und als Figuren in / von Zeit und Raum.
Die Verwendung grafischer und fotografischer Quellen bei der Erstellung dieser Werke, die Verwendung der Sprache der Gravur, die die Veränderungen in den Bildtechnologien (von Holzschnitt und Lithographie bis hin zu Siebdruck und Fotografie und ihren verschiedenen Beziehungen, Spiegelungen, Neuaufnahmen) widerspiegelt und in Schichten überlagert. Transformationen usw.) Der brasilianische Dropper (1879) von Almeida Júnior beispielsweise aus alltäglichen Quellen, aus der Massenkultur etc. duplizieren in Sprache, ästhetischer Form und künstlerischen Verfahren die angedeuteten hybriden Inhalte. Die Darstellung spiegelt und entfaltet sich hier und hinterfragt sich subtil.
Was wir hier den „Körper Brasiliens“ nennen, führt uns zurück zu einigen Beobachtungen von Gilda de Mello e Souza in einem berühmten Aufsatz über das Werk von Almeida Júnior (1850-1899).[1] Die Autorin sah in dem Maler aus São Paulo und seinen Caipira-Typen nicht nur die vertraute oder „malerische“ Darstellung charakteristischer physischer Typen, sondern auch die Figuration von Gesten, Körperhaltungen, was sie in Anlehnung an Marcel Mauss „Körpertechniken“ nannte.
Almeida Júnior verstand es, den brasilianischen Caboclo, die Caipira von São Paulo, in ihren eigenen einzigartigen oder spezifischen Körperhaltungen und in den Details charakteristischer Gesten darzustellen. Neben dem Anekdotischen, der äußeren Dokumentation der Landschaft und des physischen Typs, der Kleidung, der lokalen Architektur usw. ist es die Vertrautheit, die Intimität der vom Maler eingefangenen und nachgebildeten Gestik und des Körperausdrucks, die seine Darstellung individualisierte und hinzufügte. Somit wurde der etablierten Bildsprache eine originelle Note hinzugefügt, die auf mehr oder weniger subtile Weise die aktuelle künstlerische Sprache aus einer europäischen Quelle nachbildete und dabei die Treue zum einheimischen Thema im Auge behielt.
Es war eine Abkehr von der Norm, aber in diesem Fall von entscheidender Bedeutung, da sie, wie Gilda Mello e Souza beobachtete, eine neue Sprachkonfiguration innerhalb des Werks bestimmte oder zumindest Möglichkeiten dafür eröffnete.
Wir können sagen, dass die Frage der brasilianischen Kunst am Beispiel von Almeida Júnior, wie sie von Gilda Mello e Souza untersucht wurde, eine andere Wendung genommen hat: Sie erscheint in dem, was wir Zwischenräume oder Intervalle von Stilen und Ideen nennen könnten, auch wenn sie „fehl am Platz“ sind „ergibt sich aus den dargestellten Materialien oder, phänomenologisch, aus den Dingen selbst, soweit sie in der Sensibilität des Künstlers nachhallten und ihn zwangen, die Bildsprache oder die stilistische Norm anzupassen oder zu modifizieren, um ein beispielloses Erlebnis auszudrücken.
Es wäre sicherlich zu weit hergeholt, zu unterstellen, dass wir hier in die Vorgeschichte der Anthropophagie und des Tropismus eintreten. Und doch…
Im Kontext des späten XNUMX. Jahrhunderts im Wandel wird das Bild Brasiliens in Glauco Rodrigues' grafischem Werk einerseits zu einem Körper, so etwas wie eine (fast) träge Daten oder (fast) Rohmaterial unserer besonderen Erfahrung.
Gleichzeitig wird in diesen Arbeiten der Körper Brasiliens in ein Bild verwandelt, das die Postmoderne ankündigt und in ihr die Frage nach Beziehungen, Vermischungen, Spannungen und Konflikten zwischen Bild und Erfahrung thematisiert: so etwas wie eine Art hybride „Gesellschaft des Spektakels“. “ ist Brasilianer.
*Marcelo Guimaraes Lima ist Künstlerin, Forscherin, Autorin und Lehrerin.
Überarbeitete und erweiterte Version eines Artikels, der 2011 im Extinct-Blog veröffentlicht wurde Malazartes.
Hinweis:
[1] Souza, G. de M. (1974). Zeitgenössische brasilianische Malerei: die Vorläufer. Rede, 5 (5) 119-130.
