von GABRIEL MARTINS DA SILVA & MATHEUS RIBEIRO ALFES DE LIMA*
Kommentar zum Stück unter der Regie von Luiz Felipe Reis
Zu sehen seit 2. Mai 2024 im Teatro Futuros (Instituto Oi Futuro), Wüsteunter der Regie von Luiz Felipe Reis bringt das Leben und Werk von Roberto Bolaño (Renato Livera) auf die Bühne. Wie wir aus der digitalen Broschüre erfahren, ist das Stück das Ergebnis umfangreicher Recherchen und einer Ansammlung jahrelanger sorgfältiger Lektüre des Werks des Romanautors. Es beleuchtet die letzten Jahre seines Lebens in einem vielfältigen Monolog, der verschiedene Aspekte der komplizierten Beziehung kombiniert zwischen dem Werk und dem Zustand eines wandernden, marginalisierten und kranken Schriftstellers.
In einer der ersten Szenen des Stücks werden wir mit kurzen Zeilen angesprochen, die an den Recorder auf dem Arbeitstisch des Schriftstellers gerichtet sind. Dies scheint eine Möglichkeit für den Autor zu sein, mit sich selbst zu sprechen und sich selbst zu verdoppeln, dessen Stimme, nacheinander reproduziert, Schauspieler und Publikum in das fiktive Universum einfügt, das während der Show verfolgt wird. Nach der Abfolge der kreativen Pillen, wahrscheinlich eine Routinebeschäftigung für diejenigen, die mit Schreiben arbeiten, wird Bolaños Monolog schnell verdrängt, als uns mit der Stimme einer anderen Figur, einer Art Bote, mitgeteilt wird, dass unser Gast (Bolaño selbst) zu spät kommt , dass es Komplikationen gab, dass er nicht ankommen wird.
Schnell verlassen wir das private Umfeld des Schriftstellers, seinen Schreibtisch, an dem er Auszüge aus seinem Werk probt, und werden zu einem möglichen Vortrag von Bolaño entführt. Im Doppelspiel zwischen dem Autor und einem anderen (dem Boten) stehen wir vor der Komplexität, die das Stück inszenieren, also die eigene Identität des Autors zur Frage stellen will. Der Charakter des Monologs wird daher in der Szene auseinandergerissen – ein Merkmal, das sich im gesamten Stück wiederholt – und wird zu etwas anderem als Bolaño, als würde er die Situation außerhalb seiner selbst beobachten, ohne seine Brille, ein Kostümelement das garantiert die Wahrhaftigkeit des Charakters.
Noch in derselben Szene werden hinter und gegenüber dem Text selbst, von dem diese Inszenierung ausgeht, Worte auf eine Leinwand projiziert, die leugnen oder offenbaren, was durch die Nervosität und das Zögern des Boten verborgen bleibt. So integriert der Schauspieler vor dem Publikum metanarrative Elemente, um zusammen mit dem Text des Stücks eine gewisse Zweideutigkeit in der eigenen Position des Schauspielers und des Autors – die wir gerne aus der Perspektive des Stücks denken möchten – präzise zu artikulieren. Handkoffer Autor.
Zwischen Bolaño und dem Boten oder sogar zwischen dem, was der Schauspieler dem Publikum ohne Vermittlung sagt, und dem, was im Zeichen des Wortes auf der Leinwand im Hintergrund zu lesen ist, befinden wir uns in einer Sackgasse. Die Konfrontation erzeugt eine gewisse Dissonanz beim Publikum, aber auch eine gewisse Annäherung, wenn wir die Schwierigkeit unseres Boten erkennen, aber auch die Komplizenschaft des Textes, der den Vorhang für das öffnet, was nicht gesagt wird. Vielleicht von dem, was nicht gesagt werden kann, von dem, was auf der Bühne obszön ist und wie tragische Gewalt nur durch die Worte entstehen kann, die hinter dem Schauspieler stehen.
Somit ist alles, was wir in der Sequenz sehen, aufgeteilt in den scheinbar ersten Vortrag, den der Bote selbst hält, und Bolaños inszenierten Beitrag mit seinen eigenen Worten, da der Text des Monologs mehrere Werke des Autors entlehnt Konstruieren Sie seine Linien. Nach dem ersten Quellentext („Literatur + Krankheit = Krankheit“) sehen wir also einen Vortrag von Roberto Bolaño, gesammelt in Der unerträgliche Gaucho, ein Buch, das kürzlich übersetzt und im Februar dieses Jahres veröffentlicht wurde (Companhia das Letras, 2024).
Diese Atmosphäre des Zweifels, der Instabilität zwischen dem Realen und dem Fiktiven, zwischen dem Werk und dem Leben, zwischen dem Inszenierten und dem Üblichen ist konstitutiv für Bolaños Beziehung zur Literatur, sein Schreiben, ein literarischer Vorschlag, der von seiner eigenen gelebten Erfahrung ausgeht seine ständige Doppelzüngigkeit mit dem Wort, dem Geschriebenen, dem Erzählten, dem Abenteuer. Wie in Bolaños Werken verfeinert das Stück dieses Spiegelspiel zwischen Literatur und Leben durch verschiedene Mittel und Sprachen. Letztlich entsteht eine Form der Metafiktion, bei der Elemente von Bolaños Werk mit biografischen Daten artikuliert werden, die wiederum, wie wir wissen, weitgehend miteinander verflochten sind. So wird die Fiktion des Autors genutzt, um sie in einen Abgrund zu fiktionalisieren, als würde der Einsatz des literarischen Mechanismus verdoppelt.
Im Gespräch mit dem Autor des Monologs wurde deutlich, dass es sich um ein Theaterstück in einem erweiterten Universum handelte. Der kinematografische Eindruck, den das Stück hervorruft, setzt sich aus mehreren Elementen zusammen, die von der Vision des Betrachters bis hin zu den Licht-, Ton- und insbesondere audiovisuellen Mitteln reichen, die auf eindeutige und kompetente Weise zur Intensivierung des Bildes beitragen Auswirkungen auf die Öffentlichkeit. Aus dieser Versuchsreihe geht hervor, dass die Zeitlupe, wiederholt als Kröte Fast während des gesamten Stücks und ausgelöst durch ein Zusammenspiel von Ton, Licht und dem Körper des Schauspielers wird die eigentlich filmische Dimension deutlicher.
Nicht nur das: Die dramatische Facette, die eine solche szenische Ressource der Handlung garantiert, bedeutet, dass gleichzeitig der Körper des Schauspielers, der die Szenen auf ekstatische Weise komponiert, im Vordergrund steht – wenn die Bewegungen zuvor akribisch entfaltet werden der Zuschauer – und zweitens – wenn die Lichter und die verschiedenen Projektionen auf der großen Leinwand für das Publikum unumgänglich werden. Es wäre angebracht, zu einem anderen Zeitpunkt, vielleicht an einem anderen Ort, über die unterschiedlichen Beziehungen nachzudenken, die Bolaños Werk zur Filmkunst hat, da es auf erfinderische und analoge Weise auf das Theater übertragen zu sein scheint.
Zu diesem Zeitpunkt war der Regisseur Luiz Felipe Reis geschickt darin, das Potenzial jedes dieser Geräte zu nutzen und sie aus dem Universum seiner Figur Roberto Bolaño zu übertragen. Geräte wie der Rekorder und die Kamera importieren neben ihrer besonderen szenischen Wirksamkeit Elemente der Bolañschen Poetik: Es scheint Arturo Belanos Rekorder zu sein entfernter Stern (1996) und die Möglichkeit einer Kamera in Die wilden Detektive (1998).
Auf diese Weise gelingt es dem Stück, die unmittelbare Wirkung des Einsatzes der Technik auf der Bühne nicht nur zu wecken, sondern diese auch mit fiktionalen Gesten zu artikulieren; das heißt, diese Geräte scheinen auch durch Bolaños Arbeit vermittelt zu werden, sie rufen die Situationen hervor, in die diese Objekte eingefügt werden (das elektronische Ohr, das auf das Unbekennbare lauscht; die Black Box, die Stimmen einfängt, bevor sie in Vergessenheit geraten, in die sie alle unersättlich gedrängt werden) und die Art und Weise, wie sie die Realität mit der fiktiven Welt verbinden (elektronische Geräte werden nach und nach aus der ersten Unterstützung technischer Reproduzierbarkeit und phantasmatischer Erfassung abgeleitet; letztendlich sind alle Geräte Bücher; oder besser gesagt, das Buch verfolgt jede Ressourcentechnologie, die zu zerstören droht es und am Ende verlängert es).
Dem Betrachter fällt die einzigartige Art und Weise auf, wie Theater und Biografie komponiert werden. Erstens, weil es sich um einen Monolog handelt, der im Interesse der Ressourcen, die Technik und kombinieren Leistung Körper, lassen die Bühne, die zunächst nur mit einem Sessel und einem Arbeitstisch besetzt war, bald mit ungewöhnlichen Elementen gefüllt werden. Es ist ein Ausdruck davon, zum Beispiel, wie erwähnt, der Rekorder und die Kamera, die die Szenen zunächst mit dem Eindringen einer fremden Stimme komponieren, die die Stimme des Schauspielers widerspiegelt (und reproduzieren sollte), aber genau diese Ressource von Der Aufschub stellt uns vor die Schlüsselfrage, die das Stück zu leiten scheint, nämlich nach den Bedingungen der Möglichkeit, das Leben eines Romanautors zu erzählen, dessen Werk für uns untrennbar mit seinem Leben verbunden zu sein scheint, und umgekehrt.
Ein zweites Element ist der Einsatz der Filmkamera, die spekulativ als Gesprächspartner in einem vermeintlichen Interview fungieren und so die Abwesenheit eines Körpers füllen würde, der unserem Bolaño gegenüberstehen könnte. Überraschenderweise nimmt jedoch die Kommunikation zwischen der Bühne (und dem Schauspieler) und seinem auf die Leinwand im Hintergrund projizierten Bild (angeblich eine Reproduktion dessen, was die auf den Schauspieler gerichtete Kamera einfängt) mehr als nur Gestalt an interessant.
Die Reproduktion der gefilmten Bilder und ihre einzigartige Interaktion mit dem Körper auf der Bühne stehen uns somit nahe an der des Aufnahmegeräts und stellen uns erneut vor die zentrale Herausforderung des Stücks, was dazu führt, dass die Figur und der Schauspieler voneinander getrennt werden und desidentifizieren. Dieses Geräusch, genau an der Schnittstelle, die diese beiden szenischen Dimensionen vereinen sollte, scheint die treibende Kraft des offensichtlichsten kritischen Aspekts des Stücks zu sein: die Schwierigkeiten (und genau dort die Kraft), das Leben eines Menschen zu erzählen, dessen eigenes Material Das in der Literatur verkörperte Wissen scheint das „wirkliche“ Leben zu beeinflussen, d. h. die Lebensschreibung des Autors, die untrennbar mit dem, was er schreibt, verbunden ist.
Mehr als die Schlüsselpunkte von Bolaños Leben, die biografischen Kuriositäten, die in der Produktion oder sogar dem Eindringen von Multimedia-Ressourcen und anderen Sprachen reichlich vorhanden sind, ganz zu schweigen von der entscheidenden Art und Weise, wie verschiedene Auszüge aus den Werken des Autors in den Text des Stücks eingepfropft werden. Was die größte Aufmerksamkeit auf sich zieht, ist der Rahmen, den der Regisseur gewählt hat, um den Schwierigkeiten, die dem Problem innewohnen, eine dramaturgische Form zu geben Mimesis in der Literatur, insbesondere im Werk von Roberto Bolaño.
*Gabriel Martins da Silva ist Doktorandin in Literatur an der PUC-Rio.
*Matheus Ribeiro Alves de Lima InMaster des Postgraduiertenprogramms in Literatur, Kultur und Gegenwart von PUC-Rio.
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