von PABLO PETRAVICIUS VIEIRA*

Überlegungen zum Stück Der Ausländer

Das Stück Der Ausländer, basierend auf dem gefeierten Text von Albert Camus, erwacht unter der Leitung von Vera Holtz und durch die Aufführung von Guilherme Leme Garcia zu neuem Leben. Die Geschichte handelt von den Missgeschicken von Meursault, einem gewöhnlichen und bescheidenen Mann, der zur Beerdigung seiner Mutter reist. Am nächsten Tag lässt er sich auf eine sinnliche Leidenschaft mit einem ehemaligen Kollegen ein. Er sagt zugunsten eines Freundes aus, dem häusliche Gewalt vorgeworfen wird, nur weil dieser ihn um einen Gefallen gebeten hat, und ermordet dabei zufällig einen Araber am Strand. Als Meursault vor Gericht gestellt und zum Tode verurteilt wird, erwartet ihn ein tragisches Schicksal.

Als die Show beginnt, zeigt sich die Bühne fast leer: eine Bank und ein im Dämmerlicht liegender Mann, der aufsteht und den berühmten Eröffnungssatz ausspricht: „Heute ist Mama gestorben.“ Vielleicht war es gestern, ich weiß es nicht.“ Die Todesanzeige wird durch einen Zettel entgegengenommen. Die Bank, einfach und multifunktional, dient als flexibles Bühnenelement, während die dunkle Bühne mit schwarzen Tüchern im Hintergrund uns an den ersten und zweideutigen Punkt der Darstellung und des Lebens, wie absurd es auch sein mag, versetzt und uns dazu einlädt, die Szenen gedanklich zu rekonstruieren . Wir finden das Stück so: Die Schauplätze, in denen die Tage ohne Krise vergehen würden, sind zusammengebrochen, um die Monotonie von Meursaults Tagen aufrechtzuerhalten, jedoch bereichert durch die Farben, die uns durch die Gesten und Beschreibungen des Schauspielers erreichen.  

Das Stück besteht aus einem einzigen Schauspieler, der die Rolle der Figur und des Erzählers übernimmt, sich dem Publikum, seinem Ziel, intensiv nähert und bereit ist, die Herzen und das Bewusstsein der Zuschauer zu erobern, die, im Schatten sitzend, zu Zeugen von Meursault werden Schicksal. Es repräsentiert in gewisser Weise das Schicksal eines jeden. Obwohl der Charakter die Ereignisse und seine Gefühle beschreibt (reduziert auf seine körperlichen Empfindungen) und die Dialoge der anderen Charaktere durch den einzigen Schauspieler präsentiert werden, gesteht er dies der Öffentlichkeit. Es stellt eine Komplizenschaft mit dem Publikum her, mit dem vor den Fakten verborgenen Zuschauer, der sich hinter den imaginären Linien des Textes oder den verschwommenen Silhouetten der Tribünen verbirgt. Manchmal spricht es sie direkt an.

Guilhermes Kostüm, ein nüchterner Overall, ergänzt den minimalistischen Vorschlag des Sets. Es hebt das Gesicht des Schauspielers hervor, macht es faszinierend und lässt das Publikum für einen Moment glauben, dass Meursaults Flucht vor dem Todesurteil erfolgreich war und dass wir ihn auf dieser verborgenen Bühne treffen, auf der er uns die Aussage Ihrer Affäre präsentiert mit dem Leben. Der Overall ist in der Lage, die diffuse Wahrnehmung zwischen dem einfachen Arbeiter, dem Gefangenen und dem Handwerk des Schauspielers zu artikulieren. Der Schauspieler verstand es, die Säure einer so tiefen Bescheidenheit hervorzuheben, dass die Gleichgültigkeit von jemandem, der keinen Wert mehr findet, der über das Leben hinausgeht, das seine Augen bezeugen, erreicht werden kann. Auf diese Weise wird Meursault zu einem Körper, der sich im Schauspieler und seinen Kräften, sowohl Verführung als auch Zerstörung, materialisiert, wie jeder andere Körper auf der Welt. Die Objektivität, mit der die Szene auferlegt wird und wie der Text erzählt wird, ist so, dass er Sarkasmus ausdrücken kann, ohne absichtlich sarkastisch zu sein. Das Vergängliche sticht im Alltag hervor, wo es am stärksten, manchmal ewig zu sein scheint. Der Fremde schwingt mit einer aktiven intellektuellen Unbeweglichkeit mit, die in der eindringlichen Rede der Figur zum Ausdruck kommt, mit dem prophetischen Ton von jemandem, der an einer unangenehmen Wahrheit festhält: „Wir gewöhnen uns an alles“.

Auch wenn die Lektüre des Werkes beunruhigend sein kann, ist das Ansehen der Show ein überwältigendes Erlebnis, das den Originaltext vervollständigt und bereichert. Das Stück offenbart die Notwendigkeit einer Inszenierung, die die Lebenskraft des literarischen Werkes verstärkt. Im Drama der Figur Meursault wird der Wunsch deutlich, einen Körper, eine Stimme und ein Gesicht zu besitzen. In dieser Hinsicht ist Guilhermes Darstellung so lebendig und überzeugend, dass es sich auf spektakuläre Weise wie das verborgene Gesicht des wortkargen Helden zu verhalten scheint. Sein harscher und kraftvoller Tonfall, begleitet von einer leicht nasalen Diktion, spiegelt die scharfe Bescheidenheit der Figur wider und spiegelt in der Kathedrale des Theaters die Unzulänglichkeit der Schauspieler-Figur angesichts der Anforderungen des Lebens wider.

Man kann in der Stimme dieses Schauspielers den von Albert Camus erwähnten Zusammenfluss erkennen, wonach die Stimme „sowohl der Seele als auch dem Körper angehört“. Es inspiriert die Wahrheit, für die die Schallwellen, die es beleben, wesentlich sind, insbesondere die unbestreitbare Tatsache des Staunens des zögernden Bewusstseins angesichts der Kräfte, die die fragmentierte Identität dieses Fremden auf der Erde, dieses Verbannten aus der Welt, überlagern Staatenlosen, dass er im Körper dieses Schauspielers seinen Ausdruck findet.

Obwohl die Show im Winter stattfand, wird der dunkle Saal durch die von der Bühne ausgehende Sonnenwärme erstickt. Wir werden von genau dem Nebel erdrückt, der Meursault in der Handlung erschöpfend verfolgt. Sie können die Erfrischung eines Bades im algerischen Meer spüren. Die Szenen fordern die Invasion von Landschaften und Empfindungen und spiegeln die Art und Weise wider, wie Meursault das Leben erlebt und seinen subjektiven Inhalt entleert: durch körperliche Empfindungen. Albert Camus kontrastiert das glückselige Leben, das in der Epidermis wahrgenommen wird, mit dem Knall einer Kugel, bringt das Gleichgewicht eines glücklichen Tages am Strand durcheinander und greift in den historischen Wahnsinn der Menschen in der Natur ein. Wie oft wusste der Mensch nicht, wie er seine Verurteilung wiederholen sollte?

Der Ausländer von Albert Camus beschäftigt sich mit dieser seltsamen Erfahrung des Bewusstseins, dass das Leben trotz aller Sehnsüchte ernsthafter Männer nach Gerechtigkeit und Korrektur der Realität weitergeht. Es ist das Gefühl, dass wir nicht zu unserem Zuhause gehören, das letztendlich das Vertrauteste unseres Selbst sein sollte. Diese Ambiguität innerhalb der Identität erforscht die Loslösung des Exilanten von der Realität und die fragmentierte Subjektivität. Es unterstreicht die faszinierende Sensation, in der sich das Absurde, ein großes Thema von Albert Camus, materialisiert, die unverhältnismäßige Beziehung zwischen menschlichen Bedürfnissen und der sinnlosen Welt, die sie umgibt, wie Realitäten, die darum kämpfen, eine künstliche Vereinbarung zu überwinden. Meursault wiederum stürzt sich in völlige Verlassenheit, in die natürliche Begegnung seines Wesens, eingetaucht und beherrscht von den starken Empfindungen der Natur.

Es besteht also die Suche nach einer Begegnung, einer Berührung, einem Sprung ins Meer, einer aufrichtigen Lippe, einem Kuss von Marie – die zwar gespenstisch und warm in der Vorstellung erscheint, aber nicht am Tatort anwesend ist. Allerdings bringt die übermäßige Sonne auf Meursaults Kopf „alles ins Wanken“. Eine zufällige Begegnung mit einem Araber, der ihn herausfordert, verursacht in Kombination mit der Intensität der Sonne eine salzige Schweißträne, die in seinen Augen brennt und Blindheit und Tod symbolisiert. Er hat gerade einen anonymen Araber ermordet.

Dann findet ein absurder Prozess statt, der Meursaults Banalitäten und Kleinlichkeiten, also jeden Aspekt seines Lebens, unter die Lupe nimmt. Diese triviale Wahrnehmung wird verwendet, um sein Verbrechen und seine Bestrafung zu rechtfertigen, und offenbart die kognitive und moralische Gefühllosigkeit, die seine Existenz durchdringt. Zum Tode verurteilt, verbringen wir einige Tage – oder besser gesagt, ein paar Minuten – mit Meursault im Gefängnis und werden Zeuge seiner konfrontativen Revolte gegen den Priester, der ihn mit Versprechungen der ewigen Erlösung quälte.

Meursault lehnt sich gegen menschliche Illusionen auf und ist gleichzeitig in ein tief verkörpertes Selbstverständnis versunken und steht in der extremen Kürze seiner Zeit. Was passiert in der letzten Sekunde im Kopf eines zum Tode Verurteilten, der auf die Guillotine wartet? Letztlich ist es für Meursault egal, ob er ewig lebt oder in zehn oder zwanzig Jahren stirbt; es passiert genauso. Er ging in seiner psychischen Entleerung zu weit. Liegt hier Schuldgefühle vor? Er ist lebendig, bei Bewusstsein und klammert sich an die verbrannte Erde, von der er sich nicht losreißen kann.

Allerdings ist er nicht nur des Verbrechens schuldig, sondern von allem: Er hat seine Mutter in eine Anstalt gebracht, er hat sich bei der Beerdigung unempfindlich gezeigt und er hat sich, wenn auch nur aus Bequemlichkeit, an der ehelichen Gewalt seines Freundes beteiligt. Er ist an allem schuldig und deshalb ist sein Urteil der Tod. Er ist schuldig, seit dem Tag, an dem seine Mutter, obwohl sie weniger schuldig war, die in der Notiz angegebene Strafe vollstreckte, an nichts anderes mehr gedacht zu haben. Aber wenn es einen Täter gibt, dann ist es die Sonne, die auf sein Gesicht scheint, das leuchtende Bild des Messers des Feindes, das Zucken seiner Finger am Revolver. Das Übermaß an Sonne und die Begegnung mit dem Araber gipfeln in einem absurden Prozess, der die Banalität seines Lebens als wahre Bedingungen für sein Verbrechen untersucht.

Im Gefängnis widersetzt sich Meursault vor dem Priester Gott als einem treuesten Verbündeten seiner Zeit, verunsichert die Gegenwart und alle Empfindungen, die ihn treffen, und sagt, wenn er ein anderes Leben wählen könnte, würde er sich wünschen, dass er eines hätte Das könnte sein, dass Sie sich an dasselbe erinnern, in dem Sie derzeit leben.

Das Stück erreicht die Lächerlichkeit der Monotonie. Es gelingt ihm jedoch, die hitzigen Gefühle zu erzeugen, die Meursault umgeben. Es lässt uns Maries Kurven und Liebkosungen spüren, die Synergie mit den Meereswellen, wir können jederzeit die Landschaften Algeriens sehen, wo die Ereignisse stattfinden. Das Stück spielt im Winter, in einem überwiegend dunklen Theater und versetzt uns dennoch in eine schwere, erleuchtete und stickige Luft in die Fantasie.

Dieses Gefühl, in Meursaults Kopf zu sein, das für das Werk und die Funktion des einzigen Charakters/Erzählers relevant ist, dringt auch in uns ein, stört uns und zeigt, wie wir angesichts so vieler Bräuche und Illusionen einschlafen, wenn wir wirklich sehen könnten Wir selbst wären verzweifelt, und wenn wir die Dissonanz zwischen der Realität und unseren Erwartungen, dieses Missverhältnis des Absurden, spüren könnten, würden wir beobachten, wie diese Ideen die Szenarien unserer Gedanken zum Einsturz bringen können.

Die Gleichgültigkeit, die selbst in der pechschwarzen Umgebung auferlegt wird, ist das Wissen, dass in ernsten Dingen keine Wahrheit steckt, und was zählt, ist das Gefühl, dass Distanz und Einsamkeit uns einer seltsamen Gewissheit in der Natur näher bringen. Es ist absurd, sich von den Rhythmen der Natur und ihren Empfindungen mitreißen zu lassen. Die Natürlichkeit, mit der die Gleichgültigkeit ausgeübt wird, ist unverhältnismäßig, aber sie ist listig, weil sie flach und tief ist, auf dem Grund eines Lichts, weil sie ihr Gleichgewicht wiederherstellt, weil sie ihr leeres Wesen jedoch mit den Nebeln des Meeres füllt , ohne noch zu wissen, dass das Wandern so viel Glück bringen wird.

Das Stück zeichnet sich dadurch aus, dass es die Trennung von den rationalen Bedeutungen der Realität untersucht und eine natürliche Bedeutung betont, die Sterblichkeit dem ewigen Leben überlagert. Obwohl die Aufführung durch die Verbindung zwischen dem Metaphysischen und dem Physischen gestört wird, wird diese Verbindung in seltenen Momenten deutlich, da das Stück uns erlaubt, das Absurde in gewöhnlichen und manchmal leeren Momenten des Denkens zu spüren. Dieses Gefühl der Absurdität des banalen Daseins wird durch Guilhermes Performance intensiv hervorgehoben.

Wenn Meursault gegen den Priester rebelliert, erinnert uns die Einfachheit der Figur, die durch die Gesten des Schauspielers betont wird, der seinen Blick zum hinteren Teil des Theaters richtet, in Richtung des Lichtstrahls, der ihn beleuchtet, an die Antwort des zynischen Philosophen Diogenes auf Alexander der Grande: „Ich will nichts von dir, nur dass du mir aus der Sonne gehst, weil du mich beschattest.“ Mit anderen Worten: Meursault offenbart in Fleisch, Blut und Stimme die Angst, sich in der Welt fremd zu fühlen, abgesehen von der Präsenz des Körpers, der ihn begleitet und ihn von den Bedürfnissen verdrängt, die in der Subjektivität mitschwingen. Die überbordende Kraft der Natur spiegelt sich sichtbar im Gesicht des Schauspielers wider.

Der Streit zwischen Meursault und dem Priester ist von innerer Intensität geprägt. Mit einem einzigen Lichtstrahl offenbart uns das Stück durch die Gefängnisgitter hindurch den Himmel, den Meursault beobachtet hat. Die Szene erinnert an den Text von Caetano Veloso: „Als ich eingesperrt war / In einer Gefängniszelle / Da sah ich zum ersten Mal / Diese Fotos / Auf denen du ganz erscheinst / Aber da warst du nicht nackt / Sondern in Wolken gehüllt / Erde / Erde / Egal wie weit entfernt / Der wandernde Seefahrer / Wer würde dich jemals vergessen?“

Das Werk von Albert Camus manifestiert immer wieder diese Freiheit, die nicht völlig losgelöst von der Notwendigkeit ist. Freiheit ist bei Camus nicht getrennt von dem Wunsch, einen Sinn für das Weiterleben zu finden, im Gegenteil, sie stellt das existenzielle Korrelat ihres geforderten Gegenstandes in Frage. Das Bedürfnis nach Bedeutung impliziert nicht die notwendige Existenz von Bedeutung. Die Existenz des Menschen ist die Form eines Denkens, das sich beharrlich in eine Verschiebung versetzt, losgelöst von den vom Denken geforderten Kausalzusammenhängen.

Auf diese Weise bleibt der universelle und abstrakte Charakter der Nostalgie erhalten, aber ihre Möglichkeit wird zumindest nicht gemäß den Anforderungen des Denkens in seiner streng logischen Bedeutung verstanden, sondern durch eine mit der Natur verflochtene Ästhetik entwertet. Es ist ein Verständnis des Lebens, das über die Kategorien des intellektuellen Denkens hinausgeht und eine Identität umfasst, die die Umwelt, die Natur, das Äußere und das Unmenschliche einschließt und nicht auf die Bitten eines verzweifelten Menschen reagiert.

In diesem Zusammenhang nimmt der Körper des Schauspieler-Charakters eine bedeutende ontologische Stellung im Stück ein, indem er das Drama des menschlichen Schicksals veranschaulicht und eine konkrete Erfahrung von Zeit und Gegenwart bietet, belebt durch ein solares Leuchten in der Vorstellung. Die Vitalität der Figur und des Werkes wird mit der der Sonne verwechselt.  

Am Ende hinterlässt das Stück einen tiefen Eindruck: Der Schauspieler meistert die vom Regisseur vorgeschlagene Herausforderung, Guilhermes Leistung vollendet die zweideutige Synthese des Werkes, des Autors und des schauspielerischen Könnens. Das Ergebnis ist eine kraftvolle und intime Darstellung, die das literarisch-philosophische Bild von Albert Camus und die Vitalität des Theaters, das seine Leidenschaft war, widerspiegelt.

*Pablo Petravicius Vieira Er ist Doktorand am Institut für Philosophie der Unifesp.

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