von AFRANIO CATANI*
Stille gibt den Ton an: Edward Hoppers Gemälde
Kommentar zum Leben und einigen Werken des amerikanischen Malers
Das erste Mal, dass ich auf das Gemälde von Edward Hopper (1882-1967) aufmerksam wurde, war 1968 in Piracicaba, im Landesinneren des Bundesstaates São Paulo, wo ich lebte und die High School besuchte. Tatsächlich machten viele Jungen Marcela den Hof, die schön und freundlich war, gerne zeichnete und künstlerische Karten mit Perfektion kopierte. Kurz vor den Juliferien zeigte sie mir die wundervolle Kopie, die sie angefertigt hatte Nachtvögel (1942) [siehe hier], das bekannte Öl auf Leinwand des Malers – das erfuhr ich erst viel später.
Sie konzentrierte sich auf die Ränder des Fensters und zeigte den Mann in Anzug und Hut an der Theke, mit dem Rücken zugewandt, das Paar, das wortlos saß, vor den Tassen, Salzstreuern, Pfefferstreuern, Papierserviettenhaltern, Kaffeemaschinen, sowie der Kellner selbst, der Ihr spielt Metier. Es entsteht der Eindruck, als stünde man vor einem Aquarium, wobei das riesige Glas diejenigen freigibt/trennt, die das Gemälde betrachten. Erst Ende der 1970er Jahre wurde mir klar, dass Marcela nicht kopiert hatte, was auf der linken Seite des Bildschirms zu sehen war, als ein anderes Geschäft geschlossen war und fast im Dunkeln lag.
Um einen Überblick über Hoppers Werk zu erhalten, habe ich das Werk des deutschen Kritikers Ivo Kranzfelder (1958) herangezogen, Autor mehrerer Schriften zur Kunstgeschichte und über den Künstler. Blättern Sie durch die 200 Seiten des wunderschönen Buches, herausgegeben von Taschen, in der jedoch eine bessere Überarbeitung fehlt. In dieser Übersetzung, die neben Skizzen etwa 160 Gemälde des Künstlers enthält, kann man sehen, wie der im Bundesstaat New York geborene Maler urbane und ländliche Wüstenlandschaften der Vereinigten Staaten und der USA heraufbeschwört seine isolierten, einsamen Charaktere, gelangweilt und nicht selten entfremdet [1].
Es sei darauf hingewiesen, dass er 1899 die weiterführende Schule abschloss und im Einvernehmen mit seinen Eltern beschloss, professioneller Zeichner zu werden; Allerdings studierte er Grafik, genauer Illustration, was seine finanzielle Gesundheit besser sichern könnte (Kranzfelder, S. 7). So besuchte er mehrere Schulen und perfektionierte sich in der Grafik, nachdem er einige Monate in Paris und London verbracht hatte, Ausstellungen besuchte und im Freien malte. 1919 gewann er einen Preis bei einem Plakatwettbewerb über den Krieg und Jahre zuvor, 1913, verkaufte er im Alter von 31 Jahren sein erstes Gemälde, zu Fuß zum Meer (1911), Öl auf Leinwand, für 250 $. „Es wird in den kommenden Jahren das einzige bleiben“ (S. 13), obwohl sich seine Radierungen und andere Drucke damals auch gut verkauften. Im Juli 1924 heiratete er die Malerin Josephine Nivisou, die ihn bis zu seinem Lebensende begleiten und sein ewiges Vorbild sein sollte. Die Frauen, die er malen wird, werden mit ihm alt.
Seine erste Einzelausstellung fand 1923 in der Frank KM Gallery statt, als er alle ausgestellten Werke verkaufte – elf Aquarelle und weitere fünf, die nicht einmal Teil dieser Ausstellung waren. Der finanzielle Erfolg der Ausstellung ermöglichte es ihm, seine Karriere als Illustrator, zu der auch kommerzielle Arbeiten gehörten, aufzugeben Zeitschrift Sonntag, Magazin der Wirtschaft, Scribner's Magazine, unter anderen. Hopper verachtete das Handwerk immer, arbeitete nie mehr als drei Tage pro Woche damit und widmete den Rest seiner Zeit der Malerei. Er gab sogar an, dass er die Illustration als „einen deprimierenden Job, schlecht bezahlt, weil er selten tat, was von ihm erwartet wurde“ verstand (S. 15).
Im Dezember 1946 schrieb Clement Greenberg (1909-1994), damals einer der bedeutendsten Kunstkritiker der USA, anlässlich der Jahresausstellung im Whitney Museum, dass „es notwendig ist, sich eine neue Kategorie vorzustellen, um zu definieren, was.“ Hopper tut es. Den technischen Mitteln mangelt es an Originalität, sie sind unpersönlich und von großer Mittelmäßigkeit. Aber sein Sinn für Komposition reicht tief im Inneren aus, um eine Vorstellung vom amerikanischen Leben zu vermitteln, etwas, was unsere Literatur nicht kann (…) Hopper ist ganz einfach schlecht, aber wenn er ein besserer Maler wäre, würde er es wahrscheinlich tun Sei kein so guter Künstler“ (S. 177).
Das heißt, Hoppers Arbeit wurde nicht immer gelobt. Und er war, wie in früheren Zeilen hervorgehoben, erst über 40 Jahre alt, als es ihm gelang, ein professioneller Maler zu werden und die Tätigkeit als Illustrator endgültig aufzugeben.
Nicht wenige Kritiker weisen darauf hin, dass der typisch nordamerikanische Charakter seiner Gemälde in ihren Themen, ihren Ursprüngen und ihrer Bildsprache liegt (S. 55), „in der er Szenen aus den USA so darstellt, wie sie sich den Augen darbieten, in einer archetypischen und archetypischen Form.“ sequenziell“ (S. 75). Marcel Duchamp seinerseits geht sogar so weit zu schreiben, dass „die einzigen Kunstwerke, die die Amerikaner geschaffen haben, Sanitäranlagen und Brücken sind“ (S. 77-78).
Hoppers Bildprozess besteht in der „Mythologisierung des Banalen“: ein Paar, das einander ignoriert, Stadtlandschaften mit Gebäuden und Plätzen, verlassene Straßen und isolierte Charaktere, Ladenfronten, die leere Landschaft und geografische Merkmale, Leuchttürme an der Küste, aber ohne dass man etwas sehen kann das Meer, der resignierte Tankwart, der auf einer verlassenen Straße auf einen Kunden wartet, der nicht ankommt, sowie innerstädtische Szenen. Einige dieser Gemälde sind ohne die Berücksichtigung des Betrachters, in den sie sich oft verwandelt, kaum vorstellbar voyeur. Die Charaktere sind auf die Grenzen der Rahmen beschränkt, obwohl die Werke nur verstanden werden können, wenn sie mit Handlungen oder Personen verbunden sind, die „außerhalb“, außerhalb unserer visuellen Reichweite, angesiedelt sind.
Em Abenddämmerung auf Cape Cod (1939) [siehe hier] ist beispielsweise der Blickwinkel des Betrachters unbestimmt. Es fehlt völlig an Kommunikation zwischen den beiden Menschen und sogar zwischen dem Mann und dem Hund, der „vielleicht die Ohren gespitzt hat, weil er einen Vogel oder ein anderes Geräusch gehört hat.“ In diesem Gemälde ist es der Wald, der in das Revier des Mannes eindringt, ein Baum vor den anderen fegt die Fenster des Erdgeschosses des Hauses (...) Die Frau blickt ins Leere, der Mann versucht, Aufmerksamkeit zu erregen des Hundes, der sich in die entgegengesetzte Richtung dreht“ (S. 98).
Bereits Zimmer in New York (1932) [siehe hier] ermöglicht uns einen Blick, wie ein voyeur, durch ein Fenster. „Drinnen sehen wir einen Mann, der in einem Sessel sitzt und Zeitung liest. Rechts klopft eine Frau verträumt auf eine Klaviertaste (…) Das Thema ist nicht mehr Zwietracht, sondern Langeweile“ (S. 129).
In „Office at Night“ (1940) [siehe hier] „Die übertrieben akzentuierten weiblichen Formen erzeugen eine sexuelle Spannung, die durch das Lichtrechteck an der Wand verstärkt wird, das die beiden Charaktere hervorhebt“ (S. 163).
Ich habe nicht die Absicht, mich in diesem Zusammenhang mit dem Einfluss des Impressionismus auf Hopper in zahlreichen Gemälden zu befassen, sondern erinnere mich nur daran, dass das Thema der Einsamkeit in Restaurants oder Cafés von Degas und Monet inspiriert ist, das der Maler auf die nordamerikanische Gesellschaft übertragen hat.
Hotels tauchen in Hopper häufig auf und repräsentieren einen „Zwischenzustand von Arbeit und Freizeit“ (S. 161). Es gibt Eisenbahnwaggons und Hotelzimmer mit gelangweilten Gästen und Passagieren, die nicht aus dem Fenster schauen oder die Landschaft genießen. Es versteht sich von selbst, dass die Paare einander ignorieren, ein Mann oder eine Frau allein in ihren Zimmern ist – meist sind die Frauen nackt oder mit wenig Kleidung bekleidet –, ein Büroangestellter starrt in einer Pause von seiner langweiligen und eintönigen Tätigkeit nach draußen , ohne von Ihrem Stuhl aufzustehen. Es gibt jedoch ein Glas, das es trennt, das Richard Sennett als „transparente Wand“ charakterisieren wird, das „Paradoxon der Isolation in der Transparenz“. Freizeit sei ebenso trostlos wie Arbeit und andere Aktivitäten, sie sei eine „moderne Allegorie tiefer Langeweile“. Kranzfelder fügt hinzu: „Je aktueller seine Bilder sind, desto trauriger sind sie“ (S. 155).
Hopper malte ununterbrochen, erlebte zahlreiche Einzelausstellungen, erhielt mehrere Auszeichnungen, Medaillen und Ehrentitel für sein Werk, bis ihn 1964 eine Krankheit von der Malerei abbrach. In einem letzten Versuch fertigte er 1965 sein letztes Gemälde an: zwei Komiker [siehe hier].
Am 23. März, als ich mich bereits in völliger sozialer Isolation befinde und versuche, mich nicht mit Covid-19 anzustecken, hatte Aldo Hey Neto die glückliche Idee, mir einen kurzen Gedanken von Ralph Waldo Emerson (1803-1882) zu schicken: nämlich: „Ein großer Mensch ist derjenige, der inmitten einer Menschenmenge mit vollkommener Sanftheit die Unabhängigkeit der Einsamkeit bewahrt“ – ich verstehe, dass diese Maxime, ohne dass es einer Erläuterung bedarf, auf die Werke von Edward Hopper zutrifft: Das Set aus Öl auf Leinwand, Öl auf Holz, Öl auf Karton, Radierungen, Aquarellen, chinesischen Tinten ...
*Afranio Catani ist pensionierter Professor an der USP und Gastprofessor an der UFF.
Dieser Text wäre ohne den großzügigen Austausch mit Aldo Hey Neto und Luciana Domschke, denen ich danke, nicht entstanden.
Referenzen
KRANFZELDER, Ivo. Edward Hopper: 1882-1967 – Vision der Realität. Übersetzung: José Luís Luna. Lissabon, Taschen, 2006.
PORT, Walter. Pest-Blues. „Illustriert“, Folha de S. Paul, Samstag, 04.04.2020, S. B12.
