von GASPAR FRIEDEN, THYS ALFES COSTA & ERIKA MARIANO*
Präsentation der Organisatoren des posthumen Buches des Philosophen und Kunstkritikers
Dieses Buch ist eine Zusammenstellung von Aufsätzen und Vorträgen, die die letzte Phase von Gerd Bornheims Schaffen umfasst. Es handelt sich um eine bedeutende Auswahl von Texten, meist aus den Jahren 1998 bis 2002, die grundlegende Fragen der Kunstphilosophie, der Ästhetik und verwandter Bereiche verknüpfen. Organisiert und zusammengestellt wurden solche Texte von Mitgliedern der Forschungsgruppe Crítica e Experiência Estética, die seit 2015 am Kunstzentrum der Bundesuniversität Espírito Santo (UFES) tätig ist und dokumentarische Organisationsarbeiten zum Leben und Werk durchführt von Gerd Bornheim.
Die motivierende Idee des Buches bestand darin, die Debatten über die Neuinterpretation unseres kulturellen, philosophischen und künstlerischen Erbes zu erweitern und Texte für das Studium der Begriffe „Kritik“ und „ästhetische Erfahrung“ zusammenzuführen, die in Bornheims Werk aufgegriffen werden in einer dialektischen Perspektive. Dieser Aspekt wird in seinen Aufsätzen und Positionen seit dem Buch dargelegt Theorie und Praxis der Dialektik (1983a [1977]) und seine nachdenklichen Streifzüge in die Werke von Hegel und Marx. Einen ganz besonderen Akzent erhält der Rundgang durch den Einstieg des Autors in die Interpretationen der Theaterszene, die für ihn einer der fruchtbarsten Räume für gesellschaftspolitische Reflexionen und Aktionen war. Es ist erwähnenswert, dass es sich seit mehr als vier Jahrzehnten im Dialog mit aktuellen kulturellen und theatralischen Praktiken befindet (hier im weiten Sinne der Verbindung zwischen künstlerisch-kulturellen Ausdrucksformen und Praktiken).
Gerd Alberto Bornheim wurde am 19. November 1929 in Serra Gaúcha, in der Stadt Caxias do Sul, geboren. Dieser exponentielle brasilianische Denker zeichnete sich durch seine Studien zur modernen und zeitgenössischen Philosophie sowie durch die Dichte und Klarheit seiner kritischen Analyse aus, ausgedrückt in Aufsätze, Kurse, Interviews und Konferenzen. Er war bekannt für seine kulturellen Hinterfragen der brasilianischen Realität und vertiefte sich in die Pluralität der angesprochenen Themen. Noch in jungen Jahren studierte er in Europa, was einer der bestimmenden Faktoren für seine intellektuellen Ausarbeitungen war.
Er verfolgte mit Interesse alle Neuheiten, die in der Kunst- und Kulturszene auftauchten, und begann auf diese Weise, seinen eigenen kritischen Geist zu entwickeln, indem er die Thesen und philosophischen Konzepte, die er bewunderte und bis zur Erschöpfung in ihren vielfältigen Konzepten analysierte, gründlich analysierte und Standpunkte. Seitdem ist er ein Reisender geworden, der sich für alle Feinheiten kultureller Bereiche interessiert. Er bereiste brasilianische und ausländische Städte (wie Porto Alegre, Rio de Janeiro, São Paulo, London, Frankfurt und Paris). In Paris besuchte er unter anderem Kurse bei Gaston Bachelard, Jean Hyppolite, Jean Wahl und Merleau-Ponty. Und auf dieser Reise entdeckt er, dass er ein Schriftsteller ist.
In Brasilien wurde er 1969 im Zuge der Intensivierung seiner Lehr- und Meinungsbildungstätigkeit von der zivil-militärischen Diktatur angeklagt. Zu dieser Zeit war er Professor für Philosophie an der Bundesuniversität Rio Grande do Sul (UFRGS). Ihm wurde vorgeworfen, subversiv zu sein, weil er seine regierungskritischen Positionen geäußert hatte, und ihm wurde die Lehrtätigkeit an Universitäten untersagt. Gleichzeitig veröffentlichte er das Ergebnis seiner Dissertation über die freie Lehre, Einführung in das Philosophieren: Philosophisches Denken in existenziellen Grundlagen (1969). Im Eintauchen in diesen Weg FlâneurGerd Bornheim begibt sich auf die Entdeckung seiner eigenen Persönlichkeit.
Und über die Wechselfälle, die ihn an der Universität plagten, beschreibt er: „Das Schlimmste ist, sich aus dem intellektuellen Leben zu verbannen oder dazu gezwungen zu werden.“ Bisher wurde ich noch nicht so extrem getrieben, da ich weiterhin viel zu Hause arbeite. Allerdings ist meine Situation so, dass ich auf diese Weise kaum länger als einen Monat durchhalten kann. Ich hoffe, dass bis März etwas Positives entsteht, das mich nicht dazu zwingt, meine Arbeit aufzugeben“ (BORNHEIM, 1970).
Die Jahre des europäischen Exils markierten die Entstehung seiner bibliografischen Produktion, die nicht nur auf philosophischen Themen basierte, sondern auch ein Augenmerk auf Literatur, künstlerische Sprachen und in einzigartiger Weise auf Brecht und das Theater legte. In diesem Sinne widmete er sein Leben der Lehre und Produktion von Werken, die Philosophie, Kunst und Politik durchdringen. Er starb am 5. September 2002 in Rio de Janeiro, dem Ort, den er – mit einem aufkeimenden Gefühl – als sein Zuhause für die letzten Jahrzehnte seines Lebens wählte.
Dort verfasste er zahlreiche Essays, war bis zu seinem Karriereende Universitätsprofessor zunächst an der Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ) und später an der State University of Rio de Janeiro (Uerj). Die Stadt Rio de Janeiro war auch ein Ort, an dem er sich von seinen akademischen Aktivitäten und den zahlreichen Reisen zu Konferenzen und Vorträgen in Brasilien und im Ausland erholen konnte. In diesen Vorträgen, die er mit einer tadellosen und verführerischen Redekunst hielt, zeigte seine tiefe, melodische und konsistente Stimme die Freude und den Wunsch, mit einem großen Publikum in Dialog zu treten. Er hat uns ein Erbe an Denkansätzen hinterlassen, die zu einem besseren Verständnis ästhetisch-politisch-kultureller Themen beitragen. Auf einige dieser wertvollen Einfälle kann in dieser Ausgabe zugegriffen werden.
Noch ein paar Worte zur Auswahl der Texte in dieser Sammlung. Wir haben uns für ein Layout entschieden, das die Überschneidungen der einzelnen Schriften erkennen lässt, ohne explizit auf die Unterteilung der Kapitel nach bestimmten Themen hinzuweisen. Der Leser wird jedoch mindestens sechs Perspektiven der Interpretationen des Autors wahrnehmen: (1) die Problematisierung der Kunstkritik; (2) die theatralische Ästhetik zwischen Szene und Text; (3) literarische Instanzen, die aus politischen Bedenken hinsichtlich des Fortschritts von Demokratie und Kultur hervorgehen; (4) die ästhetische Erfahrung und das Erlernen des Aussehens in den Schriften über bildende Kunst; (5) Musik als ästhetisches Paradigma; 6) das Problem der Kommunikation und die neuen Landschaften der zeitgenössischen Kunst.
Künstlerische Kritik und das ästhetische Erlebnis zwischen Szene und Text
Die ersten beiden Texte „Die Dimensionen der Kritik“ (Essay über Kritik, veröffentlicht im Jahr 2000) und „Die Frage der Kritik“ (Transkription einer Konferenz von 2001, veröffentlicht im Jahr 2002) sind Beispiele für eine dialektische Erfassung kunstphilosophischer Fragestellungen . Sowohl die Aufsätze als auch die Mündlichkeit, die diese beiden Kapitel kennzeichnen, offenbaren eine ästhetische Wahrnehmung, die sich in den folgenden Kapiteln ausbreitet. In einer lebhaften Wiederaufnahme von Brecht und Marx führt Gerd Bornheim einen Dialog mit seinem Freund Ruggero Jacobbi, um über die Ausübung von Kritik nachzudenken. Er hält die essayistische Seite der Interpretation des (Kon)Textes oder der Produktion des Werkes (des Theaterstücks, des Gemäldes, des Films) und die daraus resultierende Beschäftigung mit der Entwicklung von Ereignissen, Shows oder künstlerischen Ereignissen im Allgemeinen für wichtig. Die Anforderung besteht darin, den Fortschritt der Arbeit durch einen anregenden Dialog zu verfolgen. Diese Übung des Nachdenkens über Kritik lässt sich auch in anderen Veröffentlichungen des Autors beobachten, etwa in „Genesis und Metamorphose der Kritik“ und „Da Kritik“. Seiten zur Kunstphilosophie (1998) und „Necessary Criticism“, in Themen der Philosophie (2015).
Ihm zufolge heißt es in dem Aufsatz, der diesen Band eröffnet: „Die Grundvoraussetzung der Kritik liegt in gewisser Weise im Herzen der westlichen Kultur selbst: Sie ist nichts Geringeres als die Erfindung des kritischen Geistes, der unserer Welt innewohnt.“ der Entstehung der Philosophie und des wissenschaftlichen Geistes im Allgemeinen – der rationalen Untersuchung realer Prozesse und menschlicher Verpflichtungen. In dem konkreten Fall, der uns beschäftigt, wollen wir wissen, welches Bedürfnis der eigentlichen Welle der Kunstkritik zugrunde lag: Wo kam sie her, woher kam sie – und das bis zu dem Punkt, an dem sie sich als eine Art etablierte „Es ist eine literarische Gattung, die Anforderungen einer ganzen Abteilung unserer Bibliotheken zu postulieren“ (BORNHEIM, 2000b, S. 34).
Man nimmt dann die performative Geste wahr, die gleichzeitig das Theatralische und das Literarische offenbart, beides konstituierende Elemente des Plans seines Schreibens. Wir wagen, in diesen Texten die Verflechtung eines Spiels zu sehen, das der Vorarbeit ähnelt, die die Inszenierung von Theateraufführungen durchläuft und die aufgrund ihrer Natur als Synthese künstlerischer Praktiken Beispiele aus bildender Kunst, Musik, Literatur, Kino, usw. Durch seine natürliche Art des Philosophierens lädt er uns ein, in diesem Ausdrucksraum die Bedeutung der Sprache im Zuge der Veränderungen im Bereich der Künste sowie der bestehenden Krisen im Kontext ästhetischer Reflexion zu erleben die zeitgenössische Welt.
Wenn der Autor in den ersten beiden Kapiteln beginnt, über Kritik nachzudenken, liegt in den beiden folgenden Kapiteln „Brechtsche Ästhetik zwischen Szene und Text“ und „Brecht und die vier Ästhetiken“ eine ganze dialektische Anwendung davon vor Art der Interpretation. Brecht, der an der Schwelle zwischen Text und Szene, zwischen Theorie und Praxis arbeitet, erfährt und problematisiert in seinem Werk und in seinen Diskussionen mit Arbeitsteams mindestens vier ästhetische Tendenzen: Nachahmung, Subjekt, Objekt und Sprache. Für Gerd Bornheim (2007, S. 59) war Brecht ein „Theaterproblematiker, kein Theoretiker – Brecht war kein Theoretiker. Auf einer im Wesentlichen praktischen Ebene problematisierte er.“ Eine der Brechtschen Problematisierungen basiert also auf Trennung und Distanzierung, Zeichen seiner kraftvollen Leistung im Theater, in der Poesie und in den Künsten im Allgemeinen.
Für Bornheim (2001b, S. 30) ist Brechts Trennung eine Aktion, „die von grundlegender Bedeutung für die Wiedereingliederung des Menschen in die Realität ist, der von der italienischen Bühne entfremdet, passiv, im Dunkeln sitzend und von der Welt abgekoppelt war“. Er verdeutlicht dies mit den Worten: „Ich gehe ins Kino und schaue mir ein Drama oder eine Komödie an, der Film ist zu Ende, ich lache viel, weine viel, verlasse das Kino und sage: „Morgen muss ich also arbeiten.“ Ich meine, ich bin zurück in der Realität. Die Kunst diente dazu, mich von der Realität zu distanzieren. Brecht möchte eine angenehme, elegante, fast liturgische Art von Kunst, die den Menschen eintaucht und ihn in eine Realität zurückführt, die er nicht nur vergisst, wenn er im Kino ist, sondern auch, wenn er arbeitet, wenn er die Straße entlang geht. Das ist alles“ (BORNHEIM, 2001b, S. 30).
Im Zuge dieses für Gerd Bornheims Interpretationen typischen „Wanderns mit dem kommentierten Kunstwerk“ findet der Leser in dieser Ausgabe zwei Texte, die sich im Dialog mit den vorangegangenen Kapiteln entfalten: „Der Zeitbegriff – die Vorahnungen “ und „Beckett und die Bedeutung des Gerundiums“, beide transkribiert aus den Original-Typoskripten des Autors. Unterschiedliche Vorstellungen von der Intuition von Zeit und Raum treten auf den Plan.
Im ersten Text erinnert sich der Autor beispielsweise an Mircea Eliade, der diese Vorstellungen als profan und heilig wahrnimmt: „Es würde die Ebene einer profanen Zeit und eines profanen Raums geben, in der sich das übliche Leben des Einzelnen in einer bestimmten Gesellschaft befinden würde.“ entwickeln. , und auf dieser Ebene würde eine andere Dimension von Raum und Zeit im Gegensatz stehen, die jetzt mit allen Dingen verbunden ist, die die heilige Welt kodieren [...]“.
Auf diese Weise zeichnet der Autor eine ganze Geschichte, die bis zu den alten Griechen zurückreicht, und interpretiert die Auswirkungen dieser Errungenschaften auf das aktuelle Geschehen. Andererseits hat er in „Beckett und die Bedeutung des Gerundiums“ und auch in „Die Bedeutung der Tragödie“ eine Realität vor Augen, die diesen Intuitionen gegenübergestellt wird. Für ihn, so heißt es im ersten Text, „sind Zeit und Raum Begriffe, die sich im Verlauf der Beckettschen Dramaturgie auf besonders eindringliche Weise bewegen.“ In Warten auf Godot, dem Eröffnungsstück, gibt es einen besonders privilegierten Moment, wenn man die beiden Bettler-Clowns auf einem Bordstein sieht. Einer von ihnen zieht seinen alten, löchrigen Schuh aus und fängt an, ihn zu schütteln, als wäre etwas darin, das vielleicht künftige Spaziergänge verhindern könnte. Ihr Partner beobachtet dieses seltsame Treiben und fragt verwirrt: „Glauben Sie, dass wir eine Bedeutung haben?“ Der Schuhmacher bleibt stehen, reagiert auf den Blick, macht eine kurze Pause und lacht laut. Es ist auch merkwürdig, dass dieselbe Frage in einem weiteren Artikel des Autors auftaucht. Und es sollte angemerkt werden, dass die Situation alles mit diesen Vorstellungen von Zeit und Raum zu tun hat.“
Ihm zufolge wirft uns Beckett in eine andere Wahrnehmung der Dinge: „Das große Problem ist genau da: Raum und Zeit verlieren ihre Bedeutung oder werden fragmentiert oder werden zu einer höchst problematischen Realität“ (BORNHEIM, 2002c, S. 28). Ö Korpus Beckettiano ist daher eine disruptive und radikale Erfahrung mit der Sprache, die für Bornheim ein offenes Experimentierfeld ist. Das Interessante ist, dass die in diesem Band enthaltenen Texte miteinander verbunden sind.
In „The Sense of Tragedy“ spricht Bornheim über einen möglichen Theaterdialog zwischen Brecht und Beckett, zwei Erfahrungen, die die Sichtweise auf zeitgenössisches Theater verändert haben. Im selben Text finden sich Kommentare zu den Zeiten des homerischen Epos und den Wechselwirkungen der griechischen Tragödie, die in direktem Zusammenhang mit dem Aufsatz „Die Vorstellung von Zeit – die Vorahnungen“, aber auch mit der Erfahrung des Schreibens und der Szene, die er ist, stehen gestaltet in der brasilianischen Dramaturgie. Nelson Rodriguez. Das Profane und das Heilige, Schuld, Sünde und Utopie verbindet der Philosoph im Vorwort des Buches mit Nelsons Sprachspiel Die Lüge, organisiert von Caco Coelho (Ergebnis der Forschung Der Koffer von Nelson Rodrigues).
Der Essay über Nelson Rodrigues, der die Nuancen einer zeitgenössischen brasilianischen Tragödie zeigt,[I] war der letzte Text, den Gerd Bornheim vor seinem Tod im Jahr 2002 verfasste. In dieser Ausgabe bündelt der Essay zusammen mit „Über die Geschichte eines Lebens: das Buch“ und „Demokratie und Kultur“ Bornheims Auseinandersetzungen mit der Realität gesellschaftlicher und politischer Strömungen mal. Zu diesen Dimensionen gesellt sich eine literarische Wahrnehmung, die sie widerständig macht: „die Nachkommen von Machado de Assis“, wie Bornheim (2000a, S. 44) über das Buch sagte.
Literarische Beispiele sowie politische und kulturelle Anliegen
Der Aufsatz „Demokratie und Kultur“ ist ein Meilenstein dieser Zusammenstellung, zeigt er doch, dass den Verbindungen zwischen Kritik, ästhetischen Erfahrungen und Interpretationen der Kunstphilosophie eine grundlegende politische Verve zugrunde liegt. Und es ist kein Zufall, dass es hier platziert ist, denn wie Guimarães Rosa sagte, erscheint das Reale mitten auf der Reise. Mit den Ideen von Demokratie, Kultur und Staatsbürgerschaft, mit denen die vorherigen Aufsätze direkt verbunden sind, beginnt die gesamte Aktualität der Szene zu verorten.
Laut Gerd Bornheim (2001d, S. 24): „Es gibt zwei, ich wiederhole, die neuen Charaktere, die alles neu erfinden: das individuelle und das kollektive Element.“ Und als Beispiel dafür spricht er von den Abenteuern der Schillerschen Dramaturgie: „In einem ersten Stück Die bösen Jungs, präsentiert der Dichter eine Gruppe junger Männer, Erben Rousseaus, die gegen die Ordnung der etablierten Stadt rebellieren und vergeblich versuchen, sich außerhalb dieser zu organisieren – das Scheitern des Unternehmens spielt keine Rolle: Es geht um die Erfindung einer neuen Rasse, die noch heute unsere Straßen bevölkert, die Hippies aller Arten. In einem anderen Text desselben Dichters: fiesko, wir werden Zeuge des Kampfes um die Selbstvernichtung der Tradition: Es gibt zwei Herzöge, die sich im Streben nach Macht gegenseitig vernichten; Zwischendurch gelingt es dem Publikum, die wütenden Protestschreie der Menschen zu hören, ohne sie jedoch zu sehen: Die Menschen werden gerade erst geboren und stehen noch immer hinter den Kulissen der Bühne. Schiller war sogar über die Gewalt, die er selbst vorhergesagt hatte, peinlich; ein paar Monate nach der Inszenierung von Die bösen Jungs, schreibt der Dramatiker ein Vorwort zum Text, um sich selbst zu widersprechen, verurteilt die Wut junger Menschen und erklärt sie für gefährlich für die herrschende Ordnung. Zu spät: Junge Menschen waren bereits in der lebendigen Szene verankert und ließen sich auf die Abenteuer einer völlig neuen Politik ein, beginnend mit den Vorboten der Französischen Revolution“ (BORNHEIM, 2001d, S. 24).
Wir konnten es nicht versäumen, diese Passage hier zu erwähnen, denn neben ihrer sichtbaren Relevanz verbindet sie die ästhetischen Erfahrungen und die Blickübungen, die Gerd Bornheim in den folgenden fünf Texten vorschlägt, deren Thema sich um die bildende Kunst dreht: „Bez Batti“, „Vasco Prado“, „Das Gemälde, das malt“, „Grün, dass ich dich grün will“, „Die Kohärenz einer Reiseroute“. Es ist anzumerken, dass diese Schriften durch das Interesse des Autors am Verständnis der Bedeutung der Bilder, des Imaginären und der Realität der Dinge verstärkt werden. Diese Übung, die Realität durch die Bilder und Gemälde von Malern wie Cézanne und Van Gogh zu sehen, die Rodin dem jungen Rilke vorschlug, ist auch einer von Bornheims poetischen Angriffen. In Anlehnung an Rilks Werk kombiniert er Erfahrung und künstlerische Wahrnehmung, um Zugang zur Realität zu erhalten. Diese Verbindung wird für Ihre Erfahrung mit der Sprache und für Ihr Zeitbewusstsein von entscheidender Bedeutung sein.
Bildende Kunst und Schauen lernen
Gerd Bornheim war ein Bewunderer der Künste in ihrer Gesamtheit und widmete sich dem Studium und Schreiben über die verschiedenen künstlerischen Sprachen, deren Funktionsweise er zu verstehen versuchte. Auf diese Weise wurden wichtige Fragen zu den Werken bildender Künstler wie Bez Batti, Carlos Scliar, Vasco Prado, Glenio Bianchetti, José Carlos Moura und Marta Gamond gestellt, von denen einige in dieser Ausgabe zusammengefasst sind. Er sprach über die Dichotomie von Subjekt und Objekt, die der Malerei imprägnierte Subjektivität, die Plastizität der Skulptur, die repräsentativen Brüche in der Ästhetik und mit moralischen Werten und reflektierte so die unzähligen Elemente, die ein Kunstwerk beinhalten. Gerd Bornheims Essays schreiben nicht nur über Kunst, sie enthalten auch eine ganze poetische Verve. Seine Texte beschränken sich nicht auf Katalogformate oder Veröffentlichungen mit wissenschaftlichem Inhalt; Es gab etwas anderes, etwas Sensibleres, etwas Lebendigeres, das nur Experimente und poetische Wahrnehmungen in der Schrift und in der Philosophie erreichen konnten.
Von der Einfachheit der Form bei Vasco Prado bis zu einer „Art teuflischer Engel“ (BORNHEIM, 1994, S. 93) in den von Bez Batti geformten Köpfen spürte Bornheim die Stille der Skulptur. Und er fand: „Skulptur liebt Stille“ (1994, S. 93). In der Tätigkeit der Hände, die dem Rohmaterial Leben und Form verleihen, liegt der Akt der Bildhauerei, der Akt des Schaffens. Es herrscht Stille in der Beziehung zwischen Künstler und Material, so wie es Stille in der Skulptur gibt, „aber es gibt eine noch stärkere Stille, die aus vielen Entfernungen und Zusammenflüssen eines Menschen kommt; es gibt die Genügsamkeit von Händen, die alles wissen, Synthese von Erde und Mensch“ (BORNHEIM, 1984, S. 77), und es gibt Stille als natürlichen Ausdruck des Lebens, der die Kunst im weiteren Sinne berührt, als etwas, das dem innewohnt Mensch. In diesem Sinne ist Skulptur für einen Künstler wie Bez Batti die Möglichkeit der Existenz.
Für unseren Autor ist „nichts ruhiger als die Skulptur“ (1984, S. 77). Ein Schweigen, das sich in den fast primitiven Formen oder in der „Idee, die im Kopf stecken blieb oder in den Händen lähmte“ (1994, S. 93) von Bez Batti, seinem Freund und Gesprächspartner, verdichtet. Im Gegenstück zur Stille entsteht auch das Rauschen eines Flusses, der vom Wasser geformte Kieselsteine mit sich bringt, die auf Bez Batti zuströmen. Basalt ist für Batti eine Kindheitsleidenschaft, die sich in den Momenten verstärkte, die er am Taquari-Fluss verbrachte und über ein Meer aus Kieselsteinen nachdachte.
Damals begann er, Köpfe, Andenken an Stammestotems oder afrikanische Masken zu formen, wobei er uns auf die Ursprünge der Zivilisationen verwies und mit ihnen „ihre größte Ausdruckskraft erreichte, ihr Mittel, die Fabel der Welt neu zu schreiben“ (1984, S. 77) . Der Bildhauer Bez Batti sucht das Kunstwerk in der Natur, auch wenn sich der Stein als resistent gegen die Auferlegung einer Form erweist. Er weiß, dass „der Kampf mit Rohmaterial mühsam sein kann“ (1984, S. 77), und vielleicht hat er deshalb in den Kontrast zwischen poliertem Stein und rauem Stein als Zeichen seiner Arbeiten und Kämpfe investiert. Die Stille erscheint bei Bez Batti in der Einsamkeit oder in seiner Beziehung zur Natur, seinem Zufluchtsort, seinem persönlichen Atelier und dort, wo er Materie findet und so seinen Platz mit Skulptur baut.
Musik, Kommunikation und neue Landschaften zeitgenössischer Kunst
Nach den Texten zur ästhetischen Erfahrung in der bildenden Kunst ist nun die Musik als ästhetisches Paradigma präsent. In der Konferenz „Nietzsche und Wagner: Die Bedeutung eines Bruchs“ verortet Bornheim zwei Perspektiven, die für ihn wichtig sind, um die zeitgenössischen Künste zu verstehen: die Wagnersche Totalität und die Brechtsche Trennung. Die Musik zwischen Hören und Sprechen, wie in den Schriften über Enio Squeff, komponiert ein Panorama aus Klängen und Grundnachhall zum Thema Kommunikation und Sprache. Gerade die in anderen Passagen dieses Buches wiederkehrende Kommunikation wird im Original-Typoskript „Arte e Comunicação“ und in der Konferenz „Kommunikation als Problem“ wieder aufgegriffen. In „Die Ästhetik der Gesundheit“ gibt es auch ein zentrales Thema für Bornheims Fragen, den Körper. Körper, Andersartigkeit, Subjekt, Objekt, Technologie und Politik erfordern ein Nachdenken über die neuen Landschaften der zeitgenössischen Kunst.
*Gaspar Paz Professor am Institut für Kunst- und Musiktheorie der UFES. Autor von Interpretationen künstlerischer Sprachen bei Gerd Bornheim (edufes).
*Thays Alves Costa ist Doktorand in Geschichte an der Bundesuniversität Espírito Santo (UFES).
*Erika Mariano Master in Theorie, Kritik und Kunstgeschichte an der UFES.
Referenz
Gerd Bornheim. Essays und Konferenzen zu Theater, Literatur, bildender Kunst, Musik und Kunstkritik. Organisation: Gaspar Paz, Thays Alves Costa und Erika Mariano. Sieg, Edufes, 2022.
Hinweis:
[I] Es ist immer gut, sich an den von Bornheim verfassten Referenzaufsatz über die Tragödie „Kurze Beobachtungen zur Bedeutung und Entwicklung des Tragischen“ zu erinnern Sinn und Maske (1992).
