von TARCÍSIO PERES*
Missbrauch beim Einsatz von Technologie führt zu dem Eindruck, dass Musik übermäßig synthetisch und entmenschlicht wird
1.
Künstliche Intelligenz und insbesondere maschinelles Lernen mit seinem jüngsten Abkömmling – der generativen künstlichen Intelligenz – wurden weithin als revolutionäre Innovation beworben, die mehrere Branchen verändern kann, darunter die Produktion von Texten, Kunst, Musik und anderen Formen der Inhaltserstellung . Bemerkenswert ist die Ähnlichkeit zwischen der hyperbolischen Verbreitung von Pyrotechnik und generativer künstlicher Intelligenz und den Geschichten des Barons Münchhausen, die 1785 von Rudolf Erich populär gemacht wurden.
Eine konkrete Tatsache ist, dass diese Technologie trotz der Enthusiasten im Dienst überbewertet wird. Obwohl es riesige Datenmengen verarbeiten und komplexe Muster erkennen kann, mangelt es ihm an einem tiefen Verständnis des Kontexts, der Emotionen und kulturellen Nuancen, die die menschliche Schöpfung zum Ausdruck bringen. Beispielsweise mag ein durch künstliche Intelligenz generierter Text technisch korrekt und informativ sein, ihm fehlen jedoch die emotionale Struktur, Originalität und einzigartige Stimme, die das Schreiben auszeichnen.
Computerproduktionen materialisieren sich in oberflächlichen und generischen Inhalten, die nicht in der Lage sind, den Reichtum und die Komplexität menschlicher Erfahrungen zu erfassen. Es sei daran erinnert, dass die menschliche Kreativität von persönlichen Erfahrungen, Emotionen und einem intuitiven Verständnis der Welt angetrieben wird – Elemente, die sich grundsätzlich nur schwer in Algorithmen kodieren lassen.
Die Diskussion der technischen Details im Kern dieser Ausgabe kann etwas langwierig sein. Aus diesem Grund werden wir weiterhin suggestiv mit einer Annäherung an die musikalische Ästhetik im Lichte der Zeit experimentieren.
2.
In der Antike war das Singen ein wesentlicher Bestandteil religiöser und kultureller Praktiken. Die Griechen beispielsweise hatten eine reiche Tradition der Chormusik und untersuchten die mathematischen Eigenschaften des Klangs, indem sie musikalische Intervalle festlegten, die die Grundlage für musikalische Tonleitern bildeten. Pythagoras, ein griechischer Philosoph und Musiker, identifizierte die Beziehung zwischen den Frequenzen von Klängen und entwickelte die Theorie der Konsonantenintervalle wie Oktave, Quinte und Quarte.
Im Mittelalter war der gregorianische Gesang die wichtigste Form der Kirchenmusik in Westeuropa. Dieser monophone Stil, der durch einfache Melodielinien und den Verzicht auf Instrumentalbegleitung gekennzeichnet ist, betonte die Klarheit des liturgischen Textes. Sänger entwickelten Atem- und Projektionstechniken, um die Reinheit und Kontinuität des Klangs in halligen Räumen wie Kathedralen aufrechtzuerhalten. Neumen, Symbole, die in gregorianischen Gesangsmanuskripten verwendet werden, lieferten nur einen groben Hinweis auf die Melodie.
Im späten 9. und frühen 10. Jahrhundert begann die westliche Musik, die diatonische Tonleiter zu verwenden, eine Reihe von sieben Tönen, die zur Grundlage der westlichen Musiktheorie wurde. Guido d'Arezzo, ein Benediktinermönch aus dem 11. Jahrhundert, wird oft als Erfinder einer Notationsform bezeichnet, die sich zu modernen Noten entwickelte. Er führte das Tetragrammaton ein, einen Satz aus vier Zeilen, der das Lesen von Musiknoten erleichterte, und schuf ein mnemonisches System zum Unterrichten musikalischer Intervalle (das sich später zu „C, D, E, F, G, A, B“ entwickelte).
Während der Renaissance setzte sich die Polyphonie mit mehreren miteinander verbundenen Melodielinien durch. Komponisten wie Palestrina und Josquindes Prez erforschten Harmonie und Kontraposition und verlangten von den Sängern eine ausgefeilte Stimmkontrolle und die Fähigkeit, unabhängige Melodielinien beizubehalten. Die musikalische Notation entwickelte sich mit dem fünfzeiligen Pentagramm weiter, wurde zum Standard und ermöglichte eine präzisere Darstellung der Tonhöhen.
Im Barock entstand mit der Oper eine neue Musikgattung, mit der neue Gesangstechniken entwickelt wurden. Sänger brauchten eine große stimmliche Flexibilität, um komplexe Verzierungen auszuführen und ein breites Spektrum an Emotionen auszudrücken. Techniken wie BelcantoEs begann sich zu formen, das die Schönheit der Melodielinie und der Atemkontrolle betonte. Sänger wie Farinelli, einer der berühmtesten Kastraten, veranschaulichte die technische und ausdrucksstarke Virtuosität dieser Zeit. Mit der Einführung des Violinschlüssels, des Bassschlüssels und anderer Schlüssel zur Bezeichnung unterschiedlicher Stimm- und Instrumentalregister wurde die Musiknotation anspruchsvoller.
Neoklassizismus und Romantik brachten weitere stilistische Veränderungen. Opern- und Konzertmusik erforderten Stimmen, die große Orchester überragen konnten. Im Mittelpunkt stand die Entwicklung der lyrischen Gesangstechnik, die Stimmkraft und Klarheit der Klangfarbe betont. Sänger wie Maria Malibran und Enrico Caruso verkörperten die Fähigkeit, raffinierte Technik mit dramatischem Ausdruck zu verbinden.
Im 20. Jahrhundert entwickelte sich die Gesangstechnik mit der Einführung neuer Musikgenres weiter, wie z Jazz, das Theatermusical und schließlich das Pop o Rock. Techniken wie der Einsatz von Mikrofonen ermöglichten eine intimere und natürlichere Herangehensweise an den Gesang, während die klassische Ausbildung immer noch die Grundlage für viele Sänger unterschiedlicher Stilrichtungen bildete. Auch die Gesangspädagogik hat sich erheblich weiterentwickelt und das Verständnis der Anatomie und Physiologie der Stimme verbessert.
Zum Abschluss unseres historischen Rückblicks auf die Technologie der letzten Jahre Auto-Tune wurde in die Musikproduktion eingeführt und bot ein Werkzeug zum Anpassen und Korrigieren der Stimmhöhe. Es funktioniert, indem es gesungene Noten automatisch an diejenigen anpasst, die der richtigen Tonhöhe am nächsten kommen, was es Sängern ermöglicht, die perfekte Tonhöhe beizubehalten, auch wenn sie ihre Stimme verlieren Leistungen sind technisch nicht einwandfrei.
3.
In unserer Analyse stellt sich eine interessante Frage. Eine Technologie zur Korrektur kleiner Unvollkommenheiten in der Stimmung eines Sängers – das i-Tüpfelchen in der antiken Perspektive der Musik, über die wir gerade berichtet haben – wird zunehmend eingesetzt, um einem durchschnittlichen Sänger dabei zu helfen, besser gestimmt zu sein. Im Laufe der Zeit wurde die Verwendung von Auto-Tune Es ging über seine ursprüngliche Funktion der diskreten Korrektur hinaus und wurde auf offensichtlichere Weise eingesetzt, wodurch ein charakteristischer Stimmeffekt entstand. Diese stilisierte Verwendung von Auto-Tune, das Ende der 1990er Jahre von Künstlern wie Cher und später von T-Pain populär gemacht wurde, führte zu einer neuen Klangästhetik, die durch eine künstliche und roboterhafte Qualität der Stimme gekennzeichnet war und für viele zu einem festen Bestandteil wurde Hits Zeitgenossen.
Diese Praxis hat in der Musikindustrie und bei den Hörern eine Reihe von Debatten und Kritik ausgelöst: Der Missbrauch beim Einsatz von Technologie führt zu dem Eindruck, dass Musik übermäßig synthetisch und entmenschlicht wird. Zuhörer werden gegenüber stimmlichen Unzulänglichkeiten weniger tolerant und erwarten Leistungen immer tadellos, sowohl bei den Aufnahmen als auch live, was einen größeren Druck auf die Musikproduktion erzeugt und den Kreislauf der Künstlichkeit fortsetzt.
Darüber hinaus wirkt sich das bei intensiver Nutzung positiv aus Auto-Tune verändert die ursprüngliche Qualität der Stimme erheblich und löscht Nuancen aus, die für die stimmliche Ausdruckskraft wesentlich sind. Ein klares Beispiel ist der Effekt beim Vibrato, einer Gesangstechnik, bei der der Sänger die Tonhöhe einer Note leicht schwankt, um dem Lied Wärme und Emotion zu verleihen. Leistung. Vibrato ist eine Eigenschaft, die besonders bei Opernsängern und Sängern anderer klassischer Stilrichtungen geschätzt wird, beispielsweise bei Tenören, deren Fähigkeit, das Vibrato zu kontrollieren und zu variieren, ein Zeichen fortgeschrittener Gesangstechnik ist.
O Auto-TuneWenn Sie versuchen, die Tonhöhe automatisch und präzise zu korrigieren, wird das Vibrato unbeabsichtigt abgeschwächt oder sogar ganz eliminiert, was zu einer Stimme führt, die mechanisch stabil und monoton klingt. Dieser Verlust an Nuancen macht das Leistung weniger natürlich und emotional, wodurch ein Gefühl der Künstlichkeit entsteht. Anstatt die Gesangsleistung zu verbessern, wird die Auto-Tune, führt in diesem Zusammenhang letztendlich zur Standardisierung der einzigartigen Eigenschaften jeder Stimme und macht die technische und ausdrucksstarke Arbeit der Sänger zunichte. Mit anderen Worten: Nach Jahrhunderten reicher Evolution wird Musik durch rechnerische Praktikabilität eklatant pasteurisiert.
Zusätzlich zum Vibrato ist die Verwendung von Auto-Tune wirkt sich negativ auf mehrere Aspekte aus Leistung Gesang und die Qualität der Musik. Die emotionale Ausdruckskraft eines Sängers kann eingeschränkt sein, da subtile Variationen in Tonhöhe, Dynamik und Klangfarbe für die Vermittlung von Emotionen unerlässlich sind. Auch die Klangfarbe der Stimme, die für jede Person einzigartig ist, kann standardisiert werden, wodurch verschiedene Stimmen ähnlicher und weniger markant klingen. Dynamik, also die Variation der Stimmintensität und -lautstärke, ist entscheidend für die Schaffung einer Stimme Leistung fesselnd und emotional reich. Ö Auto-Tune Dadurch werden diese Schwankungen ausgeglichen, was zu einer flacheren, weniger dynamischen Leistung führt.
Die Qualität der Resonanz und der von der Stimme erzeugten Obertöne kann ebenfalls verändert werden Auto-Tune. Harmonische, das sind zusätzliche Frequenzen, die zusammen mit der Hauptnote erzeugt werden, tragen zur Fülle und Komplexität des Gesangsklangs bei. Durch die digitale Verarbeitung können diese Harmonischen ebenfalls verändert werden. Fortgeschrittene Gesangstechniken wie Melismen, Glissandi e Verhaltensweisen, verlieren bei digitaler Anpassung ihre Natürlichkeit und Fließfähigkeit.
Diese Techniken basieren auf einer präzisen Stimmkontrolle und können durch digitale Verarbeitung abgemildert oder künstlich gemacht werden. Darüber hinaus kann das Verhältnis zwischen der Stimme und den Begleitinstrumenten beeinträchtigt werden, da die Auto-Tune passt die Tonhöhe der Stimme unabhängig an und erzeugt so eine subtile Trennung zwischen der Stimme und den Instrumenten, insbesondere in Musikgenres, die Wert auf spontane Interaktion zwischen Musikern legen.
Die Abhängigkeit von Auto-Tune es wirkte sich auch auf die Gesangs- und Musikausbildung aus. Ein sorgfältiger Ökonom würde diesen Nebeneffekt als „negative Externalität“ bezeichnen: Wenn technische Exzellenz durch digitales Basteln erreicht werden kann, besteht für Sänger im Grunde weniger Anreiz, Zeit und Mühe in die Entwicklung ihrer natürlichen Stimmfähigkeiten zu investieren. Darüber hinaus ist die Auto-Tune hat die Zuhörer von einem neuen musikalischen und ästhetischen Standard abhängig gemacht und natürliche Künstler dazu gedrängt, diesen Effekt nachzuahmen, um die Öffentlichkeit zu erreichen, was zu einer Homogenisierung der Popmusik und einem Rückgang der Wertschätzung echter Gesangstalente führt.
4.
Offenbar erwähnte Baron Münchhausen in seinen weltfremden Abenteuern nichts davon. In ähnlicher Weise Auto-Tune In der Musik ist ein erfahrener Leser durchaus in der Lage, den Mangel an emotionaler Tiefe und Authentizität in durch künstliche Intelligenz generierten Texten zu erkennen, während ein Gelegenheitsleser möglicherweise einfach das Gefühl hat, dass etwas „fehlt“ oder dass der Text „zu perfekt“ und „unpersönlich“ klingt ".
Wenn die Pasteurisierung von Musik ein feierliches Ereignis ist, sind die aktuellen nababesken Pyrotechniken rund um die künstliche Intelligenz wirklich gerechtfertigt.
*Tarcísio Peres Er ist Professor für Naturwissenschaften an den Technologiehochschulen des Bundesstaates São Paulo. Autor, unter anderem von Von den Haien profitieren: Die Fallen der Börse und wie Sie sie zu Ihrem Vorteil nutzen können.
Referenzen
BURKHOLDER, J. Peter; GROUT, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Norton Anthology of Western Music. WW Norton & Company, 2019.
GROUT, Donald Jay; PALISCA, Claude V. Eine Geschichte der westlichen Musik. WW Norton & Company, 2014.
RASPE, Rudolf Erich. Die überraschenden Abenteuer des Baron Münchhausen. Penguin Classics, 1993.
RUSSELL, Stuart J.; NORVIG, Peter. Künstliche Intelligenz: Ein moderner Ansatz. Prentice Hall, 2021.
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