von WALNICE NOGUEIRA GALVÃO*
Historische Bilanz der Präsenz von Schwarzen im Hollywood-Kino und ein Anhang mit Angaben zur Bibliographie und zu brasilianischen Filmen.
Es dauerte hundert Jahre, also so alt wie das Kino, aber schließlich gewann eine schwarze Frau – Halle Berry im Jahr 2002 – den Oscar als Hauptdarstellerin. In den letzten Jahren hat diese Auszeichnung für schwarze Schauspieler zugenommen: Jamie Foxx und Morgan Freeman im Jahr 2005; abgesehen von Halle Berry, an Denzel Washington (beide mit makellos kaukasischen Gesichtszügen) im Jahr 2002; ein weiterer Ehrenpreis für Sidney Poitier im selben Jahr.
Und wir vergessen bereits, dass der schwarze Mann in einem Gründungsfilm der Kunst, dem patriotischen Epos des Stummfilms, als Vergewaltiger weißer Frauen debütierte Geburt einer Nation (David W. Griffith, 1915). Um auf Rassismusvorwürfe zu reagieren, wollte Griffith später reagieren Intoleranz (1916). Griffith betrachtete sich selbst als Opfer des hässlichen Gefühls, das in diesem Titel zum Ausdruck kam, und nahm die Epen vorweg Kitsch von Cecil B. de Mille, der sich mit dem Thema befasst, was er in verschiedenen Gesellschaften, sowohl in der Antike als auch in der Neuzeit, als Intoleranz ansah. All dies, um sich zu rechtfertigen.
Zwischen all dem und dem, was heute passiert – wenn jeder Film oder jede Fernsehserie schwarze Richter in Gerichtsszenen zeigt, eine Situation, die so alltäglich ist, dass wir dem außergewöhnlichen Phänomen nicht einmal Aufmerksamkeit schenken – liegt eine ganze Reise, deren Etappen bemerkenswert sind.
Kumpelfilme Auch interethnische Beziehungen wurden alltäglich, auch wenn viele von ihnen ihren Spaß aus der Rassenreibung zwischen den Partnern schöpften, einer scheinbar unerschöpflichen Quelle intelligenten Humors, wie bei den vier zu sehen ist Tödliche Maschine, die sich übrigens dezidiert gegen Rassismus aussprechen – ein weiteres Phänomen, das man im Auge behalten sollte. Und Café-au-lait-Liebesszenen wurden häufig, wenn auch hier mit Nuancen: Weiß mit Schwarz war früher üblich, und es dauerte länger, die Gleichung umzukehren und Schwarz mit Weiß zu zeigen (was die traditionellen Vergewaltigungsphantasien in Frage stellte). Fernsehserien, die häufige Familienprobleme zeigen, eine alte und überaus erfolgreiche Formel für Weiße, werden jetzt mit Schwarzen inszeniert. Aber laut Spike Lee in Mädchen 6 (1996), mit exotischem Tanz, Geschrei und Skandalen.
Die Einbeziehung der weiblichen Perspektive ist nicht zu unterschätzen: Toni Morrison und Alice Walker ließen Bücher adaptieren; Halle Berry war Hauptdarstellerin und Produzentin des Dorothy-Dandridge-Biopics unter der Regie von Martha Coolidge. Der beispiellose Neben-Oscar für Hattie McDonald in Vom Winde verweht (1939) heiligte immer noch das Stereotyp, mit Trümpfen, Slushies und exorbitantem Augenrollen.
Zwischen diesen Extremen gab es denkwürdige Momente, die parallel zur Bürgerrechtsbewegung zu einer Eskalation der Eroberungen führten und einen rassistischen Film undenkbar machten.
Und schließlich tauchten schwarze Direktoren auf, die die Höhe der Investition und die Kontrolle über das Ergebnis garantierten. Vom ersten von ihnen, dem legendären Melvin Van Peebles, mit Die Geschichte eines Drei-Tages-Passes (1968) gibt es bereits eine illustre Handvoll: Robert Townsend, den talentierten Clan von Wayans und Hughes, Mario Van Peebles, John Singleton, F. Gary Gray, Forest Whitaker und die jüngsten Debüts von Morgan Freeman und Denzel Washington. Nicht zu vergessen derjenige, der den Film in eine Kampfwaffe verwandelt hat: Spike Lee.
Ein fortgeschrittenes Experiment war Carmen Jones (Otto Preminger, 1954), Adaption von Bizets Oper „Alle Schwarzen“, in der Dorothy Dandridge dem gutaussehenden Harry Belafonte gegenübersteht. Die Schauspielerin würde der ersten Oscar-Nominierung für einen schwarzen Protagonisten alle Ehre machen, aber die Gewinnerin war die Blondine mit den blauen Augen Grace Kelly. Zu den ersten Antirassisten gehören Schatten (1957) von John Cassavetes, einem Pionier in so vielen Dingen, der ethnische Konflikte in den Mittelpunkt der Intrige stellt; Es ist Die Sonne ist für alle da (Robert Mulligan, 1962), mit Gregory Peck als Anwalt, der einen Schwarzen verteidigt, der in einem Dorf im Süden der Vergewaltigung beschuldigt wird.
Die Stärke von Sidney Poitiers Persönlichkeit würde mit mehreren Meilensteinen auf dieser Reise verbunden sein: Er wäre der erste Schwarze, der einen Oscar als Hauptdarsteller gewinnen würde Eine Stimme im Schatten (1964) von Ralph Nelson, der auf der Leinwand eine romantische Rolle spielt und eine weiße Frau küsst; Seine natürliche Besonderheit würde vielen Filmen Glaubwürdigkeit verleihen.
Em in der Hitze der Nacht (1967) porträtierte Norman Jewison den ersten schwarzen FBI-Polizisten im Einsatz in den südlichen Wäldern. Ein weißer Kumpel macht sich über den schicken Namen Virgil lustig, der kein „schwarzer“ Name ist, im Gegensatz zu Rastus, Rufus, Remus, Cletus, Cassius, der üblicherweise Sklaven auf Plantagen gegeben wird (weshalb Boxweltmeister Muhammad Ali seinen Namen ablehnte). Taufe, Cassius Clay). Er deutet an, dass die Dinge im Süden, von wo aus die Schwarzen auf der Flucht vor dem Baumwollanbau und vor Vorurteilen massenhaft in den Norden auswanderten, anders seien, und fragt ihn sarkastisch: „Heißt man dich in Chicago so, Virgil?“ und dieser antwortet streng: „In Chicago nennt man mich.“ Geheimnis Tibbs“, eine Antwort, die Geschichte schreiben würde. Als Tibbs von einem Weißen geschlagen wird, schlägt er ihn zurück – und es war das erste Mal in einem Film, dass ein Schwarzer einem Weißen so eine Ohrfeige angetan hat.
Im selben Jahr, Ratet mal, wer zum Abendessen kommt Stanley Kramer zeigt die missliche Lage des liberalen und fortschrittlichen Paares, als sie von ihrer eigenen Tochter ausgeplündert wurden – die sie nicht einmal warnte, dass der Bräutigam schwarz war. Es ist wahr, dass er gutaussehend, gutaussehend, gebildet und elegant ist, tadellose Anzüge trägt und als Inhaber eines Universitätsabschlusses glaubwürdig ist; und blamiere niemanden.
Es handelt sich um einen außergewöhnlichen Avantgardefilm aus dem Jahr 1969 – ein Wagemut, den sein Regisseur Brian de Palma niemals wiederholen würde –, Hallo, Mama!, über die Inszenierung eines von inspirierten Theaterstücks Les negres, von Jean Genet, in dem die Schauspieler wohldenkende weiße Zuschauer mit einer faschistischen Einschüchterungsstrategie angreifen und sie schwarz und sich selbst weiß malen. Die Akteursgruppe bedient sich auch der Taktik der Stadtguerilla, indem sie Gebäude besetzt und in die Luft sprengt.
Zu den Versuchen, die militanten Sagen dieser Zeit wiederzubeleben, gehört Schwarze Panther (1995), Regie: Mario Van Peebles (wir dürfen nicht vergessen, dass Jules Dassin 1968, also im Jahr, als das Phänomen seinen Höhepunkt erreichte, den Film drehte Schwarze Macht). Peebles‘ Film dokumentiert die Entstehung, Entwicklung und Liquidierung der schwarzen Macht in den Vereinigten Staaten. Zu sehen sind Charaktere, die die Hauptfiguren der Bewegung repräsentieren, wie Huey Newton, Bobby Seale und Eldridge Cleaver, brillanter Autor des Buches über Negritude Seele auf Eis, Herausgeber des renommierten Magazins Ramparts und Informationsminister der Black Panther Party. Sie befindet sich zwischen Oakland, ihrem Hauptquartier, und San Francisco im Jahr 1967. In diesem Jahr schließt sich die Partei der weißen Studentenbewegung gegen den Vietnamkrieg unter dem gemeinsamen Slogan „Macht dem Volk“ an und erweitert damit ihre Bedrohung seine Zerstörung unterzeichnen.
Mit einer noch dürftigen Handlung – die Polizei rekrutiert durch Erpressung einen parteiinternen Whistleblower – ist es ein gutes Beispiel für die „Methoden“ der Repression, die ihn liquidiert haben. Das FBI mit Edgar J. Hoover an der Spitze übernahm die Kontrolle über die Repression, und der Staatsapparat begann, illegale Kanäle zu mobilisieren: Ermordung von Führern, falsche Anschuldigungen mit platzierten Beweisen, Angriffe und Bombenanschläge auf Parteibüros im ganzen Land. Zu denen, die der Hinrichtung entgingen, gehörte Eldridge Cleaver, der nach Algerien floh und dort viele Jahre lebte.
So starb die Bewegung aus. Damals wurde Martin Luther King, Begründer der Bewegung für Gewaltlosigkeit und Träger des Friedensnobelpreises, 1968 von einem Weißen ermordet, nachdem er den Marsch auf Washington angeführt hatte, um das Votum des Kongresses zu erwirken, was schließlich geschah erreicht, für das Gesetz über Bürgerrechte und Stimmrechte.
Wie auch immer, Welle (1971) von Gordon Parks löste die Welle von aus Blaxplotation Die Gesamtzahl der in diesem Jahrzehnt gedrehten Filme auf niedrigem Niveau beläuft sich auf zweihundert, die schwarze Musik, Gewalt und Ghetto-Jargon beinhalten. Privatdetektiv John Shaft bekommt ein Büro mit seinem Namen an der Tür, er ist der erste seiner Hautfarbe, dem die Ehre eines solchen Heldenberufs zuteil wird. Es würde viele Fortsetzungen geben und eine TV-Serie werden. Mit einigem Unwillen und angesichts des zeitlichen Zufalls kann die Schaffung von Shaft als Ausgleich für die Liquidierung der schwarzen Macht betrachtet werden: ein entpolitisierter Held, der von Weißen akzeptiert wird und Aufgaben übernimmt, die nicht mehr gesellschaftlicher, sondern rein privater Natur sind.
Die ursprüngliche und engagierte Vision von Martin Ritt wäre präsent Konrack (1974), in dem ein Grundschullehrer auf den Flügeln von Missionen in den 1960er Jahren auf eine Insel in South Carolina geht, um schwarzen Kindern das Lesen beizubringen – bis er von den Behörden entlassen wird. Aber es gab auch andere wie Mississippi in Flammen (1988) von Alan Parker, in dem zwei FBI-Agenten, eine Organisation, die die Bewegung mit Grausamkeit bekämpfte, am Ende zu Helden der Bürgerwehr werden, die den Tod von drei Aktivisten, zwei Schwarzen und einem Juden, rächen, die an der Wahlbeteiligung der Bewegung arbeiten Farbpopulation im Süden; Dafür nannte Pauline Kael den Film „pervers“.
Die Taste würde gedrückt werden Mord in Mississippi (1990), von Roger Young. Aber Hollywood würde sich durch Produzieren rehabilitieren Vergangene Geister (1996) von Rob Reiner über die Untersuchung, Strafverfolgung und Verurteilung des Mörders des Bürgerrechtlers Medgar Evers in Memphis Ende der 1960er Jahre, dreißig Jahre später. Whoopi Goldberg widerspricht ihrer Expertise in Zeichentrickrollen, indem sie eine Witwe Evers spielt bemerkenswert für Zurückhaltung und Hochmut; würde für seine Unterstützung einen Oscar erhalten Ghostin 1990.
Angekündigt durch den Erfolg von die violette Farbe (1985) von Spielberg, basierend auf dem Buch von Alice Walker, brachten die 1990er Jahre eine Welle ungewöhnlicher Filme für ihre Qualität mit sich, die von den Fakten der Emanzipationskämpfe bis zu ihren Ikonen – Malcolm X, Martin Luther King, The Black – reichten Panthers, Muhammad Ali – sogar Science-Fiction über die Vorherrschaft der Schwarzen und die Unterwerfung der Weißen.
Zu diesem Zeitpunkt konnte Denzel Washington den weißen Adligen spielen So viel Lärm für nichts (1993) unter der Regie von Shakespeares Kenneth Branagh sowie Peter Brooks Besetzung eines schwarzen Mannes in der Rolle des Hamlet auf der Bühne, wie er vor einigen Jahren in Brasilien zu sehen war. Es war üblich, dass ein weißer Mann mit gebräuntem Gesicht Othello spielte, was selbst Orson Welles nicht entging. Nachdem er den Erzschurken Darth Vader in Schwarz gekleidet hat Krieg der Sterne (1977) würde George Lucas in Fortsetzungen Helden afrikanischer Herkunft einbeziehen. Mitwirkende, die Geschädigten Politisch inkorrekt (1998) von Warren Beatty würde eine Lektion in Wahlschikanen erteilen, in dem ein demokratischer Senator im Wahlkampf darüber spricht, wie man Schwarze täuscht.
Der Höhepunkt würde erreicht, als Morgan Freeman den Rollen des Präsidenten der Vereinigten Staaten seine inhärente Autorität und Ernsthaftigkeit verlieh (in Tiefe Wirkung, 1998, Regie: Mimi Leder) und natürlich DEUS (Der Allmächtige, 2002, Regie: Tom Shadyac) – beide bislang unbestreitbar weiß. Und es wird angekündigt, dass er Nelson Mandela verkörpern wird. Aber nur wenige würden sich daran erinnern, dass der Visionär Monteiro Lobato bereits 1928 einen Roman mit dem Titel geschrieben hatte Der schwarze Präsident in dem er solche Ergebnisse für die Wahlen in den Vereinigten Staaten vorhersagte.
Spike Lees Guerilla-Kino befasst sich mit inhaltlichen ethnischen Themen. Unter vielen anderen war es so malcom x, Basierend auf einer unübertroffenen Autobiografie, die die Umwandlung eines Gangsters in einen spirituellen Führer dokumentiert. vier kleine Mädchen (1997) ist ein Dokumentarfilm über den Bombenanschlag auf eine Kirche in Birmingham im Jahr 1963, mitten im Sonntagsgottesdienst, bei dem die vier Mädchen im Titel getötet werden. Zwei der vier noch lebenden Angeklagten wurden dreißig Jahre später ebenfalls belastet. Beide Filme basieren auf historischen Fakten.
Wie Hitchcock tritt Spike Lee oft in seinen Filmen auf; aber im Gegensatz zu diesem hier nicht in Flash-Auftritten, die dem Zuschauer das Gefühl geben, ein Versteckspiel zu spielen. Als ob das nicht genug wäre, quält er den Betrachter symbolisch und kämpft mit ihm, um ihn aufzuwecken. Der Betrachter fragt sich, unter welchen Reifebedingungen der Kontext entstehen würde, der die Entstehung eines schwarzen Regisseurs mit seiner eigenen Vision ermöglichen würde, der so radikal und so ohne Zugeständnisse ist. Und es geht nur um schwarze Themen. In seiner Sammlung befinden sich bereits mehrere Filme, darunter der, der seine Entdeckung bedeutete, Tue das Richtige (1989). Dort spielte Spike Lee selbst, dürr und mit den Füßen drinnen gehend, in der schlauen Manier eines Menschen, der nichts will, die Rolle eines Pizzaboten, friedlich, der fast unabsichtlich, aber aus Empörung über den Anblick seines Freundes versehentlich von der Polizei getötet wird, löst einen der schlimmsten Unruhen im Ghetto aus.
vorbildlich ist die Showzeit (2000), der eine Fernsehsendung persifliert, von der der Drehbuchautor inspiriert ist Minnesänger zeigt von gestern, die sich systematisch über Schwarze lustig machen, die dumm sind, Hühner stehlen und Wassermelonen mögen. Trotzdem wird das Programm Kult und löst eine Tendenz zu irrtümlichen Adhäsionen zur Schwärze aus. Der Film endet mit einer historischen Anthologie des Kinos, in der die beliebtesten Darsteller mit den Zeichen des verbrannten Korkens auf ihrem Teint, einem riesigen scharlachroten Mund und weißen Handschuhen getarnt sind – was in der Blütezeit des Musicals häufig vorkam.
Zu den Cartoons gehören ein afrikanischer Kannibale, der einen Missionar in einem Kessel kocht, kleine Calunguinhas mit einem Knochen über dem Haar und, um das Ganze abzurunden, eine Parodie auf Onkel Toms Hütte in dem Eliza mit dem Baby im Arm davonläuft, während sie den Fluss überquert und von einem Eiswürfel zum anderen springt. Sie lassen den Betrachter mit brennenden Gesichtern zurück, weil er ihnen zugeschaut hat, ohne empört zu sein. Spike Lee wird diese Enzyklopädie der rassistischen Bösgläubigkeit in den darstellenden Künsten und ihres gewissenmanipulierenden Potenzials zugeschrieben. Auf diese Weise setzt dieser Regisseur Meilensteine in der Saga der politischen Reisen der schwarzen Bewegung und ihrer entscheidenden Momente auf dem Weg zu Emanzipation und Staatsbürgerschaft.
Der Dokumentarfilm fand in William Greaves, der sie seit über dreißig Jahren produziert und inszeniert, einen Apostel. Er widmet sich der Produktion von Filmen, die das Andenken der Schwarzen in den Vereinigten Staaten retten. Es deckte vergessene Charaktere auf und fand Aufnahmen von Ereignissen, an die sich niemand erinnerte. Es produziert hauptsächlich Lehrmaterial und gewinnt eine Auszeichnung nach der anderen. Seine Filme werden je nach Fall von Sidney Poitier, Harry Belafonte oder Toni Morrison erzählt.
Und in diesem Panorama durften die vielen guten Filme, die über die Apartheid gedreht wurden, nicht fehlen, in Zusammenarbeit mit der Kampagne, die auf ihre Schließung abzielte und den Zuschauer über ihre Auswirkungen aufklärte. Sie spielten eine herausragende Rolle, zusammen mit dem allgemeinen Boykott, der mit dem Ziel, die schwarze Wählerschaft in den Vereinigten Staaten für sich zu gewinnen, zum Sieg beitrug. Darunter auch Morgan Freemans Regiedebüt Bopha! - Unter der Haut (1993) mit Danny Glover und Malcolm McDowell, der den Konflikt zwischen einem schwarzen südafrikanischen Polizeichef und seinem Sohn, einem Anti-Apartheid-Aktivisten, aufdeckt. Hier kommt übrigens die Erinnerung an das Konzert der militantesten Rockmusiker, das anlässlich der Freilassung von Nelson Mandela stattfand, mit dem Titelsong von Jerry Dammers und einem unvergesslichen Refrain, der von der Menge einstimmig gesungen wurde: „ Frei! Frei! Frei! Nelson Mandela!". Es wurde live im Fernsehen übertragen und erreichte 67 Länder und 600 Millionen Zuschauer; und obwohl es in Südafrika verboten war, löste es einen öffentlichen Skandal von beispiellosem Ausmaß und beispiellosen Auswirkungen aus, mit dem die Entlassung des künftigen Präsidenten aus dem Gefängnis zwei Jahre später nicht ohne Zusammenhang stehen würde.
Angegebene Bibliographie
Was Studien zur Schwarzheit im Kino angeht, stechen bei Nordamerikanern die immer wiederveröffentlichten Bücher von Gary Null hervor. Die erste, die von der Entstehung der Siebten Kunst bis zum Datum ihrer Veröffentlichung reicht, wurde später durch eine weitere vervollständigt, die über das Jahr 1970 hinausging. Darüber hinaus sind sie reichlich mit Fotos von Filmen und Schauspielern illustriert, was sie zu einer wertvollen Referenz macht. von unschätzbarem Nutzen.
Und unter uns, wie war es? Die dem Thema gewidmeten Werke sind sehr neu. Dies ist das Feld, das João Carlos Rodrigues, der schrieb, gewählt hat Der brasilianische Schwarze und das Kino (Editora Globo), erstmals 1988 veröffentlicht. Ziemlich raffiniert bietet es eine Panoramaperspektive, versucht aber gleichzeitig, die Konturen der wichtigsten Stereotypen zu definieren, die auf der Leinwand aktuell sind, wie Mulata Boazuda, Mãe Preta, Preto Velho , Malandro, der Favelado, die temperamentvolle Magd. Und es zeigt, wie eine militante Perspektive die Analyse schärfen kann.
Wir erinnern uns hier an die verschiedenen Werke von Joel Zito Araújo, der neben der Verteidigung seiner These und der Veröffentlichung des Buches Die Negation Brasiliens: Das Schwarze in der brasilianischen Telenovela (Editora Senac) drehte er mit diesem Material auch einen Dokumentarfilm für das Fernsehen. Seine Forschung ist unersetzlich, und wenn er sich zwischen Diplomarbeit, Buch und Film vorerst nur auf Telenovelas konzentriert hat – die als Bildschöpfer in Lateinamerika aufgrund ihrer Reichweite in Bezug auf die Zuschauerzahl von grundlegender Bedeutung sind –, so hat er kündigte unser Kino als Ziel der nächsten Aufgabe an.
Das Programm des Schauspielers Lázaro Ramos auf Canal Brasil, Spiegel, hat viel Material zu diesem Thema mitgebracht, darunter Interviews mit schwarzen Schauspielern (die die lebendige Erinnerung an diesen Prozess sind, wie Ruth de Souza, Milton Gonçalves, Antonio Pitanga, Zózimo Bulbul, Toni Tornado, Zezé Motta), Recherchen und Auszüge aus Filmen oder Telenovelas. Aus dieser Perspektive sollte man die Bedeutung von Grande Otelo nicht vergessen, der ein halbes Jahrhundert lang mit seinem Genie große und kleine Bildschirme zum Aufwärmen brachte. Er verkörperte perfekt das Klischee des boçal schwarzen Mannes – er verdrehte seine großen Augen und machte einen Schmollmund, der das Volumen seiner Lippen verstärkte –, aber gleichzeitig bewies er als außergewöhnlicher Schauspieler, der er war, dass er auch viele andere Tricks entfalten konnte , und ging sogar so weit, dasselbe Stereotyp zu kritisieren.
Unter uns, mit dem Ziel, eine repräsentative Auswahl der verschiedenen Phasen und Perspektiven im Umgang mit Schwarzsein auszuwählen, verdienen die folgenden Filme Beachtung:
Fräulein Mädchen1953, Regie: Tom Payne – In einer romantischen Handlung ist die Heldin, gespielt von Eliane Lage und an der Seite von Anselmo Duarte, eine Abolitionistin, obwohl sie die Tochter eines reichen Landbesitzers ist und für das Ende der Gefangenschaft kämpft. In diesem Film ist der Schwarze immer noch ein Sklave, der in Ketten und ausgepeitscht erscheint. Es kam selten vor, dass wie hier Rollen für Schwarze geschaffen wurden, selbst in einer unterstützenden Position. Ruth de Souza, die später eine lange und bemerkenswerte Karriere als Schauspielerin hatte, wurde auf Ruth aufmerksam. Der Film ist ein Beispiel für die große Phase des Industriekinos in São Paulo und für die Firma Vera Cruz, die in wenigen Jahren ihres Bestehens Filme von hohem technischen Standard produzierte.
schwarzer Orpheus, 1959 – Adaption des griechischen Orpheus-Mythos an die Favelas von Rio de Janeiro, mit schwarzer Besetzung und einer schönen Verwendung des Karnevals. Französischer Film von Marcel Camus mit lokaler Produktion und brasilianischen Schauspielern (außer der nordamerikanischen Marpessa Dawn in der Rolle der Eurídice) des Teatro Experimental do Negro aus Abdias do Nascimento. Basierend auf dem Originalstück von Vinicius de Moraes, mit Musik von Tom Jobim, zuvor aufgeführt im Teatro Municipal do Rio mit Bühnenbildern von Niemeyer. Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes und Oscar für den besten ausländischen Film. 1999 neu gemacht.
Abschaffung, 1988 – Zózimo Bulbul, der in den 1960er Jahren am Centro Popular de Cultura (CPC) der UNE ausgebildet wurde und einer der Schauspieler werden sollte, die sich am meisten mit dem Cinema Novo identifizieren, führte Regie bei diesem Dokumentarfilm, der sich auf die hundert Jahre seit der Unterzeichnung des Cinema Novo konzentriert Lei Áurea. Wertvolle Interviews mit strategischen Persönlichkeiten für die Wertschätzung der schwarzen Kultur, wie Abdias do Nascimento, Grande Otelo, Joel Rufino und Gilberto Freyre. Er geht auf die Straße und in Gefängnisse und recherchiert, was diejenigen, die am Rande der Gesellschaft stehen, über die Situation der Schwarzen nach der Emanzipation aus der Gefangenschaft denken. Auf den Festivals, auf denen er auftritt, sammelt er Auszeichnungen.
Ôrí – Kopf, schwarzes Bewusstsein, 1989 – Dokumentarfilm von Raquel Gerber, gedreht in Brasilien und Afrika. Es erweitert das Konzept des Quilombo, das heute als jeglicher Kern schwarzen Widerstands betrachtet wird, der in Candomblé, Capoeira, Musik, Tanz, Geste, Ritual, Küche usw. zu finden ist. Es untersucht mehrere Fälle in Brasilien und in westafrikanischen Ländern, aus denen die Bantu sprechenden Yoruba-Völker stammen. Musik von Naná Vasconcelos. Während der elfjährigen Produktion begleitete es die Entstehung und das Wachstum schwarzer Bewegungen in unserem Land und hörte ihren Vertretern zu. Ausgezeichnet mit dem 1. Platz beim Panafrikanischen Festival von Burkina Faso.
Brasiliens Ablehnung, 2000, Regie: Joel Zito Araújo – Eine mehr als vollständige Reise durch die Geschichte der Telenovelas in Brasilien, in deren Mittelpunkt schwarze Charaktere stehen. Es analysiert Seifenopern mit Schwerpunkt auf den Schauspielern und den ihnen zugewiesenen Rollen, immer stereotyp, immer negativ. Der Regisseur argumentiert, dass die Konstitution des Bildes von grundlegender Bedeutung für die Unterstützung einer positiven ethnischen Identität sei.
City of God, 2002, Regie: Fernando Meirelles – Das tägliche Leben der Drogendealer (der „Besitzer des Hügels“), die das Leben der Favela-Bewohner kontrollieren. Interne Kriege zwischen rivalisierenden Banden, Kriege mit der Polizei, Kriege mit den Arbeitern, die in den Favelas leben und deren Opfer sind. Von einer Gewalt, die man selten sieht. Sehr kompetent als Actionfilm, in dem die Spannung, das Herumrennen und die Schießereien die Oberhand gewinnen. Aufgrund des mit den Favelados identifizierten Erzählschwerpunkts ist es auf der gegenüberliegenden Seite angesiedelt Elite-Truppe mit seinem erzählerischen Fokus, der mit der Polizei identifiziert wird: Aber beide ähneln sich darin, Menschen aus der Favela zu kriminalisieren.
die Töchter des Windes, 2003 – Von Joel Zito Araújo, einem Aktivisten, der für andere bemerkenswerte Errungenschaften wie die oben genannten verantwortlich ist Brasiliens Ablehnung. Entgegen der Tendenz, Schwarze immer als Randgruppen und Kriminelle darzustellen, bringt es auf seiner Reise und in seiner eigenen inneren Chronik eine gut integrierte Familie ins Spiel. Beim Gramado Festival gewann er acht Auszeichnungen: einen für den Regisseur und sieben für die Schauspieler, darunter einige der bedeutendsten des schwarzen Kinos mit einer illustren Karriere, wie Milton Gonçalves, Ruth de Souza und Léa Garcia, die daran mitgewirkt hatten der erste Schwarzer Orpheus.
Antonia2006 – Regisseur Tata Amaral privilegiert vier Sänger und Tanzkomponisten Funk, ihre Probleme und ihre spezifisch weiblichen Ansprüche. Die Protagonistin Antonia wird von Negra Li gespielt. Interessant, weil es inmitten der Macho-Klangfarben des Balls weibliche Originalität zeigt Funk, mit seinen frauenverachtenden Liedern. Das beschwerliche Leben, das sie in den Favelas führen, wo Frauen diskriminiert werden, ihr Kampf um einen Platz an der Sonne und die Überwindung ihrer untergeordneten Stellung.
*Walnice Nogueira Galvão ist emeritierter Professor am FFLCH der USP. Autor, unter anderem von Zu Samba-Klängen – Eine Lesung des Carioca-Karnevals (Perseu Abramo Stiftung).
