von YVES SÃO PAULO*
Überlegungen zum Hundertjahrfeierfilm von Charlie Chaplin.
Dies wird ein Jahrzehnt sein, in dem viele hundertjährige Jubiläen gefeiert werden, die dem Kino am Herzen liegen, ein Vorwand, um Filme zu rezensieren, die wir auch ohne Vorwand sehen, aber wir fanden sie, um erneute Besuche bei den Klassikern zu einer Verpflichtung zu machen. Letztes Jahr war es an der Reihe Caligar, aus Wiene, nächstes Jahr ist es an der Reihe Nosferatu, von Murnau. Zwischen diesen beiden Symphonien des Horrors feiern wir im Jahr 2021 den XNUMX. Jahrestag von Der Junge „Ein Film mit einem Lächeln – und vielleicht einer Träne“ (das Vielleicht ist rein rhetorisch, denn die Träne ist sicher).
Die 1920er Jahre waren entscheidend dafür, das künstlerische Potenzial dieses in Fabriken entstandenen Mediums zu zeigen. Dennoch: Wenn es im Filmuniversum jemanden gab, der bereits den Ruhm der Anerkennung seines künstlerischen Genies erlangt hatte, dann war es Charles Chaplin.
Für einen Akademiker wie mich waren die Merkmale, die Chaplins Genie ausmachten, bereits überall in der theoretischen und kritischen Literatur zu finden Der Junge. Dennoch ist es interessant zu finden Das Fotoplay Als Psychologieprofessor an der Harvard University – also unter seinen Kollegen ein anerkannter Intellektueller – unternahm er seine ersten Schritte im Kino und erkannte bereits 1915 – also in Chaplins zweitem Jahr als Filmkünstler – den Unterschied und die Überlegenheit dieses Filmemachers . Wie André Bazin Jahrzehnte nach Munsterberg betonte – Autor von Das Fotoplay –, ohne es gelesen zu haben, ist dies die Zeit der Großen in Chaplins Kino Gags, aber von einem Carlitos, der in seiner Psychologie noch wenig entwickelt ist.
Carlitos‘ Psychologie entwickelt sich parallel zu Chaplins autoritärer Selbstsicherheit, jedes Mal erkundet er soziale und politische Widersprüche mit diesem Dandy, halb Gentleman, halb Penner, als Schauspieler. Übrigens hat diese Funktion von Chaplin als Regisseur letztes Jahr einen wunderschönen Film hervorgebracht, der Chaplins Werk neu aufgreift. Charlie Chaplin, der Geist der Freiheit, von Yves Jeuland.
Die Politik verkörperte nicht nur die Person auf den Leinwänden dieses Künstlers, seine biografischen Merkmale trugen auch dazu bei, Szenarien und Situationen zu malen, wodurch ein Carlitos zunächst näher an Luxushotels und in die armen Viertel und Geschäftszentren der Städte rückte, Orte, an denen ein Tramp ihn immer mehr mag Er verkörperte seine Rolle als Randerscheiner, der bereit war, in den Mittelpunkt des Geschehens zu treten.
So Der Junge wird üblicherweise als dieses großartige Stück in Erinnerung bleiben, in dem Gesellschaftskritik und die Biografie seines Regisseurs zusammenwirken. Hier ist eine gute Formel, um Chaplin als zu rechtfertigen Autor, wie spätere Generationen darauf bestehen würden. Alle Titel sind vollkommen fair. Der Film hat viele Themen: Klassenkampf, Mutterschaft, die Rolle der Staatssicherheit, aber es ist auch interessant zu sehen, wie meisterhaft so viele schwere Themen auf eine kurze Art und Weise behandelt werden, die nie „gewalttätig“ klingt. Im Gegenteil, der Verlauf der Geschichte, der ein Ereignis nach dem anderen bringt, erzeugt eine anhaltende Aufregung, die ihre Themen zu einem universellen Thema macht. Wir verstehen alle Schocks nicht, weil wir sie verstehen, sondern weil wir sie spüren. Das Verständnis ist für einen späteren Moment der Debatte auf Internetseiten, in Barstühlen oder bei Debatten im Klassenzimmer gedacht.
Illustrativ für all dies ist der Anfang des Films, in dem die Geschichte erzählt wird, die dazu führen wird, dass das Kind verlassen wird. Die Mutter erscheint in einer berührenden Darbietung von Edna Purviance zunächst mit ihrem Baby im Arm hinter Gittern. Sie war nicht im Gefängnis und dies ist auch kein Gefängnis, aber die Mutterschaft, die sich an arme alleinstehende Frauen wie sie richtet, vermittelt die Atmosphäre eines Gefängnisses für kriminelle Frauen, deren Verbrechen die Mutterschaft ist. Als die Mutter auf einer ziellosen Pilgerreise an einer Kirche vorbeikommt, sieht sie eine Hochzeitsgesellschaft.
Sie ist traurig über die Szene, ihr Blick ähnelt dem von Gemälden von Heiligen, und dies bleibt Chaplin nicht verborgen, der eine Komposition zusammenstellt, die durch das Buntglasfenster der Kirche hinter der Mutter ihre Heiligkeit für das Wunder zeigt der Welt Leben gebracht zu haben. Klingt dieser letzte Satz zu christlich? Tatsächlich wird die Verwendung christlicher Bilder jedoch in diesem Film immer wieder vorkommen. Eine der bekanntesten ist der Schnitt zwischen der Mutter und einem das Kreuz tragenden Christus, eine Sequenz, die wir als Vorläufer der Zerschneidung der Schafe/Arbeiter bezeichnen könnten Moderne Zeiten, so oft mit Eisensteins Montagemethoden verbunden.
Die Geschichte eines zerbrochenen Paares, aus dessen Liebe das Kind hervorging, das die Mutter jetzt in ihren Armen trägt, wird in einigen kurzen Momenten zusammengefasst, die dem Paar keine Gründe für die Trennung geben, sondern nur Gefühle eines noch Bestehenden abgrenzen Die Leidenschaft blieb im Schweigen, gefolgt von einem melancholischen Gefühl. Der Vater ist ein armer Maler, der auf einem heruntergekommenen Dachboden arbeitet. Er hängt immer noch das Foto der Frau über dem Kamin als Erinnerung an bessere Zeiten. Beim Versuch, Rauch anzuzünden, lässt er das Foto versehentlich in die Glut fallen. Das Papier brennt, die Erinnerung an die Leidenschaft ist verdorben. Als gäbe es keine Präzision mehr für die Gegenwart, als ob die Erinnerung selbst durch Feuer ausgelöscht worden wäre, wirft der junge Maler das Papier zurück in die Flammen, sodass es dieses Mal tatsächlich verzehrt wird und in seine gegenwärtige Banalität ohne weibliche Präsenz zurückkehrt.
Ich erweitere die Betrachtung der Geschichte dieses Paares, weil Chaplin in diesen Momenten sein dramatisches Talent unter Beweis stellt, das zwei Jahre später, wenn er auf den Markt kommt, noch weiter gesteigert wird Eine Frau von Paris (in Brasilien unter dem Titel veröffentlicht Hochzeit oder Luxus). Die Gründe für die Vereinigung dieser Charaktere sind nahezu gleich Null. Wir verstehen sie außerhalb des Bildschirms als eine Art Erweiterung der Darstellung seiner Eltern durch den Autor. Auch Chaplins Vater und Mutter waren Künstler, sie lebten auch nicht zusammen. Aber in Der Junge, das Aussetzen des Babys bedeutet für beide einen Erfolg mit bitterem Beigeschmack – und ein deftiges Gericht für psychoanalytische Lesungen.
Bei einem Treffen der High Society zu einem späteren Zeitpunkt im Film bringt Chaplin diese beiden Charaktere zusammen. Hier gibt es keine Vorwürfe, nur Bedauern und Sehnsucht. Im Kopf unseres Betrachters tauchen Fragen auf: Wusste er, dass sie schwanger war? Hatte er sie verlassen, weil er wusste, dass sie schwanger war? Hatte er sich geweigert, sie zu heiraten? Alle Fragen bleiben der Spekulation überlassen. Was uns bei der Vorführung des Films am besten dient, ist der emotionale Dialog zwischen zwei Charakteren, die so widersprüchlich sind.
Deshalb lässt die Mutter das Baby in einem Auto vor einem Herrenhaus zurück, in der Erwartung, dass die reichen Bewohner des Ortes das Kind als ihr Eigentum annehmen. In einer Wendung treten zwei für Chaplins Filme typische Schurken aus den Lehrjahren in Mack Sennetts Studios auf. Sie stehlen das Auto, ohne die Anwesenheit des Kindes auf dem Rücksitz zu bemerken. Sie halten in einem Armenviertel an, um zu rauchen, als sie das weinende Kind aus dem Auto hören. Dies ist einer dieser Momente, der den Terminologiewechsel von „Stummkino“ zu „Stummkino“ rechtfertigt. Obwohl das Weinen vom Publikum nicht gehört wird, ist es Teil des Klangbildes, wie Luiz Manzano sagen würde. Die Schnitte vom Bild des weinenden Kindes zum Bild der Banditen, die auf das Weinen reagieren, fügen dem Film eine Audiospur hinzu, auch wenn keine Geräte zur Aufzeichnung des Weinens des Kindes vorhanden sind.
Die Einleitung des Films unterstreicht die Kraft der Montage bei der Entstehung dieser Geschichte. Das starke Make-up von Bösewichten, das versuchte, dunkle Vertiefungen in ihren Gesichtern zu erzeugen, war ein Look, den Comics verwendeten, wenn sie einen solchen Typ in Filmen darstellten. Es stellt sich heraus, dass das Bild der Banditen, die das Kind in einer Gasse, weit weg von der Mutter, inmitten der Mülltonnen zurücklassen, mit einem quälenden Gefühl aufgeladen ist, wenn man den Bildern der verzweifelten Mutter folgt, die zurückkehrt, um das in der Gasse zurückgelassene Kind zu holen Auto und stellt fest, dass er entführt wurde und dass sein Aufenthaltsort nie wieder gefunden werden wird.
Im Gegensatz zu dem, was passieren wird, sobald die Figur des Carlitos vorgestellt wird, wodurch dieser direktere Einsatz der Montage, die dramatische Einführung von, abgeschafft wird Der Junge Es basiert hauptsächlich auf dem emotionalen Dialog zwischen zwei Polen. Die Ankunft von Carlitos auf der Bühne ist der Übergang zum offenen Grundriss, der Raum für die Komposition des Rahmens und die Bewegung innerhalb des Bühnenbildes gibt. Schließlich ist Carlitos Tänzer.
Der Plan zeigt deutlich eine schmutzige Gasse mit Schmutz und Müll auf dem Boden. Müll fällt von der Spitze des Gebäudes auf die Straße und stellt die Dynamik der Gefahr vor, außerhalb des Bildes zu sein. Carlitos sieht, was passiert ist, geht um den neu entstandenen Müllhaufen herum und setzt den Spaziergang mit all seiner Anmut fort. Unerwartet für ihn wird ein weiteres Fenster weiter vorne, ebenfalls außerhalb des Rahmens, den täglichen Müll loswerden, der es auf die Straße wirft, und trifft jetzt unseren alten Bekannten direkt. Als der Tramp zwischen Müllcontainern steht und den Müll aufräumt, mit dem er angegriffen wurde, entdeckt er ein verlassenes Baby. Die Dynamik ist bisher klar, das Unerwartete kommt von oben. Als Carlitos das Baby auf den Arm nimmt, kann er nicht anders, als aufzublicken, als hätte jemand das Kind versehentlich mit dem Müll vermischt.
Was tun mit dem Kind? Der neue Carlitos mit seiner psychologischen Tiefe und Komplexität ist nicht in der Lage, sie einfach dort zurückzulassen, wo sie ihn gefunden hat. Ich suche jemanden, bei dem ich es lassen kann, vielleicht jemanden, der bereits ein Baby hat. Vielleicht nicht. Die Macht des Gesetzes in der Figur eines großen und ernsten Polizisten, der Carlitos einen Schritt zurücktreten lässt, ist seltsamerweise auch der Grund, warum er resigniert. Unter der Kleidung des Kindes findet er den Gegenstand, der als Bindeglied zwischen Vergangenheit und Gegenwart dienen soll: eine von der Mutter geschriebene Notiz, dass es sich um ein Waisenkind handelt. Carlitos versteht die Einsamkeit gut, heißt das Baby willkommen und nimmt es mit nach Hause. Als er an der Tür der Hütte befragt wird, antwortet er, dass das Kind „John“ heiße.
Im Laufe der Jahre sehen wir Vagabundos Umgang mit dem Baby, seine Zuneigung zu dem Kind, das als Erwachsener zu seinem Arbeitspartner wird, in einer der bekanntesten Szenen in der Geschichte des Kinos. Der inzwischen fünfjährige Junge wirft Steine gegen Fenster von Wohnhäusern. Zum Glück kommt Carlitos an den Wohnhäusern vorbei und kann sie sofort reparieren. Es wurde viel über die Brillanz der jungen Jackie Coogan beim Spielen des Kindes geschrieben, und es wurde auch viel über die Vater-Sohn-Beziehung in der Szene berichtet. Ich überspringe Schritte und erreiche den Moment der ersten Wiedervereinigung der Mutter mit dem verlassenen Kind.
Es war bereits gezeigt worden, wie sich der soziale Status der Mutter, die nun eine Künstlerin von Ruhm und Reichtum ist, im Laufe der Jahre verbessert hat. Doch etwas belastet ihr Gewissen und zwingt sie, in die Armenviertel zurückzukehren, um sich für wohltätige Zwecke zu engagieren. Sie gibt den Kindern, die sich um sie drängen, Spielzeug und zaubert damit ein bisher unbekanntes Lächeln auf ihr Gesicht. Für eine andere Mutter mit einem Kind auf dem Arm gibt sie zusätzlich zum Spielzeug auch eine Münze. Es ist ein sehr leidender Teil der Stadt, in dem die Menschen alles tun müssen, um an Essen zu kommen. Zum Gags de Carlitos und sein Sohn zeigen deutlich, wie viel kreativer Aufwand nötig ist, um die Währung zu bekommen, die das Abendessen des Tages garantiert.
Von den Kindern weggezogen, verblasst das Lächeln der Mutter. Sie benötigen keine Montagefunktion, um anzuzeigen, was vor sich geht. Sie erinnert sich an ihr verlassenes Baby und fragt sich wahrscheinlich, wo es sein könnte. In einer wunderschönen Gemäldekomposition sitzt die Mutter auf einem Bürgersteig vor der Tür von Haus 69. Da es zum Betreten des Hauses eine zusätzliche Stufe gibt, erscheint die Tür hoch hinter der Mutter. Als sie sich in ihren Tagträumen verliert, öffnet sich die Tür und der verlorene Junge sitzt direkt dahinter. Dieser Rahmen innerhalb eines Rahmens dient als eine Art Ballon, der Gedanken anzeigt. In einem lyrischen Bild, das dem würdig ist, was Bergman Jahrzehnte später tun wird, während er Welten aus Träumen und Erinnerungen durchquert, entsteht ein Riss im Gefüge der Zeit, der Mutter und Sohn erneut vereint.
Die Begegnung der beiden ist berührend. Der Austausch einfacher Blicke, die Zuneigung der Frau, die in dem mit Spielzeug beschenkten Kind etwas anderes zu sehen scheint, etwas Unaussprechliches, das sie weiterhin stört. Als sie den Treffpunkt verlässt, reagiert sie anders als zuvor in Gesellschaft der anderen Kinder, als ob etwas in ihr erklang, das die beiden verbindet, aber der Mangel an Mutterschaftsübungen machte es schwer, es zu verstehen was es wäre.
Aktiviere mich für eine längere Zeit, um mich an die Momente zu erinnern, in denen Carlitos nicht vor Ort ist, die aber die Weisheit seines Schöpfers in der Konstruktion von Komposition und filmischer Erzählung demonstrieren. Seine Fähigkeit, Geschichten auf Film zu erzählen, war so einfach, auch wenn er nicht auf der Bühne erschien, dass dieser Film sicherlich ein Meilenstein für seinen Übergang zu einem anderen, gewagteren Werk in seiner Filmografie war, dem oben genannten Eine Frau von Paris.
Als Pantomimekünstler dominiert Chaplin die Bühne und erreicht die Perfektion des Rhythmus der Momente und der Bewegung entlang der Szenerie – erinnern wir uns an die ikonische Sequenz des Laufs über die Dächer, die Manoel de Oliveira in würdigte Aniki Bobo. Als Filmregisseur demonstriert Chaplin die Beherrschung des Schnitts, der Abfolge von Aufnahmen in gleichzeitigen Situationen an verschiedenen Orten und der Bildkomposition und erkennt die Bedeutung von Türen und Fenstern als Möglichkeit, bestimmte Charaktere neu zu rahmen. Dennoch weiß er um die Bedeutung des Tons für das Kino, denn er sieht seine Präsenz auch in dieser stillen Zeit und demonstriert damit die Vollständigkeit des Kinos und nicht einen Mangel – daher seine Hartnäckigkeit, sich dem Tonkino zu ergeben.
Wir kehren mit Beschreibungen zu den Szenen zurück, die ebenfalls verlängert sind, um ein weiteres Gefühl einer erneuten Betrachtung dieses Klassikers zu erzeugen. Es war nicht notwendig, aber da wir hier sind, lassen Sie uns noch einmal darüber nachdenken Der Junge?
*Yves Sao Paulo ist Doktorandin der Philosophie an der UFBA. ist Herausgeber des Magazins Sisyphus und Autor des Buches Die Metaphysik der Cinephilie (Herausgeber Fi).
