von CELSO FAVARETTO*

Die Konstruktion eines Bildes des Malers Lasar Segall durch brasilianische Kritiker

Das Buch Lasar Segall, von Cláudia Valladão de Mattos, befasst sich mit einer heiklen Frage, die in Brasilien kaum besprochen wird: Inwieweit beruht die einem Künstler zugeschriebene Bedeutung und die Bedeutung seiner Arbeit nicht nur auf spezifisch ästhetischen Kriterien, sondern zu einem großen Teil auf Annahmen und Interessen öffentlicher und kritischer Rezeption? In Anlehnung an die Prinzipien der Rezeptionsästhetik von Hans Robert Jauss untersucht Cláudia V. de Mattos die Konstitution eines Bildes von Lasar Segall, das von brasilianischen Kritikern in der Zeit von 1913 bis 43 konstruiert und vom Künstler selbst gespeist worden sein dürfte. Es untersucht die Gründe, warum Segall als legitimierende Figur der modernistischen Strategie angesehen wurde, sowohl weil er als Paradigma des modernen Künstlers gilt als auch wegen seiner bemerkenswerten Persönlichkeit.

Unterstützt durch die Kritiken, die seit den Ausstellungen in São Paulo und Campinas 1913 in Texten und Statements des Künstlers aufkamen, berichtet das Buch von den Momenten der Konstitution eines homogenen Bildes bei den Kritikern. „Um Pintor de Almas“, ein Artikel von Abílio Álvaro Miller, der während der Ausstellung 1913 in Campinas erschien, hätte ein solches Bild bestimmt. Auch wenn der Artikel keine unmittelbaren Auswirkungen hatte, unterscheidet sich das, was darin steht, nicht wesentlich von der Kritik von Mário de Andrade, Milliet, Geraldo Ferraz und anderen, da sie sich auf dieselbe kritische Tradition und auf dieselben grundlegenden Fragen beziehen was der Autor der ästhetischen Konzeption der deutschen Romantik zuschreibt. Die Kritiker, mit Ausnahme von Mário de Andrade, schienen den deutschen Expressionismus nicht zu kennen. Zweifellos eine Verzögerung, aber eine interessante Frage, da sich die Einstimmigkeit bei der Betrachtung von Segalls Image mehr auf seine Persönlichkeit als auf sein Werk konzentrierte.

Cláudia Valladão de Mattos agiert mit Bedacht, kontextualisiert die Kritik und greift nicht nur künstlerisch auf Segalls Ausbildung zurück, um die Konstitution des Künstlerbildes als Genie zu rechtfertigen. Ein Unterfangen, das einen Beitrag zur Kulturgeschichte und Kunstsoziologie darstellt, geht von der Verfolgung dokumentierter Fakten und Ereignisse aus; untersucht, wenn auch nur kurz, Probleme und Spannungen im Routinisierungsprozess der brasilianischen Moderne; entidealisiert kritische Konstruktionen.

Es zeigt, dass die Konstitution des Künstlers als Ikone der Moderne Mystifizierungen nicht ausschließt und nicht immer einer modernen Position zur Bedeutung von Kunst entspringt. Wie können also Kritiker, die sich bekanntermaßen der Verwirklichung des Modernen in Brasilien verschrieben haben, die Vorherrschaft der Persönlichkeit über das Werk des Künstlers bestätigen? Würde es genügen zu sagen, dass dies aus dem zwingenden Bedürfnis resultierte, das Moderne durchzusetzen? Ist die Legitimierung dessen, was ein modernes Projekt sein könnte, Grund genug? Oder ist die Faszination des Künstlers etwas, das solche kontextuellen Fragen extrapoliert?

Das Buch zeigt keine allgemeine Haltung, einen Segall-Mythos zu demontieren, indem es seine Bedeutung für die brasilianische Moderne leugnet; Der entscheidende Punkt liegt im Versuch, Segalls öffentliche Rezeption zu inventarisieren, insbesondere die Kriterien der Aktualisierung der Rezeption. Segalls Bemühungen, ein Bild zu bestätigen, es gemeinsam mit Kritikern und Institutionen zu verwalten, und die homogene Behandlung der Kritik, die sich auf die Einheit Werk-Künstler konzentriert, finden keine andere Rechtfertigung als die Diskrepanz zwischen der brasilianischen Modernisierung und Segalls völliger Hingabe an die Kunst. Allerdings könnte die Betonung romantischer Annahmen das Missverhältnis der Kritik rechtfertigen, wohl aber nicht die Haltung des Künstlers.

Kritiker sehen in Segall das erste Zeichen moderner Kunst in Brasilien und darüber hinaus die „Brücke“ zwischen europäischer Avantgarde und brasilianischem Modernismus. Obwohl Mário de Andrade für die Reaktivierung von Millers Kritik verantwortlich war, stimmte er Segalls Vorrang nie zu und beharrte auf dem Pioniergeist von Anita Malfatti; Dies hinderte ihn jedoch nicht daran, Segalls Beitrag zur Formulierung „brasilianischer Kulturfragen“ in der Malerei zu würdigen.

Mário betont in der Anfangsphase von Segall in Brasilien einen Beitrag zum Thema „Brasilianischsein“, da die „plastische Errungenschaft“ dieser Phase aus der Komposition von „slawischer Seele“ und brasilianischer „Lebendigkeit“ resultieren würde, in der die „tiefe“, „synthetische“ Persönlichkeit, „höchst menschlich“ und „dramatisch“ verdrängten die „brasilianische Oberflächlichkeit“ und führten sie in die Universalität.

Wenn die Kritik Segalls „synthetischen Realismus“ neben seinen sozialen und politischen Anliegen zusätzlich zu seinen existenziellen Anliegen hervorhebt, ist es eine Tatsache, dass die in einem romantischen Rahmen gedachte menschliche Figur hervorsticht und den Zusammenfluss von Absicht, Ausdruck und Leben suggeriert. Cláudia V. de Mattos' Reise durch die Annahmen der deutschen Romantik, insbesondere Schelling, und durch die Grundlagen bestimmter Kunstgeschichte, insbesondere Wõringers, ist überzeugend, da sie sich nicht auf die Werke einlässt (sonst wäre es komplizierter).

Ob es darum geht, die Geschichte der Entdeckung frühreifer Talente zu betonen oder künstlerische Tätigkeit als Prädestination zu betrachten; Indem es die Idee von Kunst als Offenbarung beweist oder die Bedeutung des Leidens in der Schöpfung betont, wie es die Kritiker tun, ist das romantische Ideal eine angemessene Anpassung an den erzeugten Mythos. Die Weihe Segalls durch die Kritiker würde somit den typischen, bereits antiken Formen folgen. Der Maler wird wie im Mythos auf einen Ursprung verwiesen; seine Persönlichkeit ist im Werk als Ausdruck der Seele; Kunst ist ein inneres Bedürfnis, Form erzeugt Emotionen und Empathie.

Bis dahin, so gut. Doch wie sieht es mit der Zusammensetzung dieser vom Künstler getragenen kritischen Einstimmigkeit und dem vom Autor vorgeschlagenen Rahmen aus Intentionen und Eingriffen bei der Inszenierung eines Bildes aus? Es scheint, dass sie klare Anzeichen eines brasilianischen Kultursystems entdeckt hat – das Bedürfnis nach starken Ikonen, auch ausländischen, um eine Art nationales Gewissen zu verkörpern –, die sehr geeignet sind, über die breiten Spuren unserer Modernisierung hinauszugehen und Zugang zu einer Geschichte zu ermöglichen, aus der sie besteht Handlungen, Zufälle und Gruppeninteressen.

Aber als Cláudia am Ende des Buches versucht, die Frage nach der Konvergenz zwischen den Ideen des Kritikers und denen von Segall zu beantworten, beeinflusst sie die Diskussion und rechtfertigt sie mit einer vagen „Zugehörigkeit zur Moderne“. Und mehr noch: Es lässt die Hypothese aufkommen, dass die Konstruktion des Bildes von Segall als Künstlergenie dazu diente, „die Bewahrung einer auratischen Kunstart inmitten des raschen Wandels zu gewährleisten, den der endgültige Beitritt Brasiliens mit sich brachte.“ Moderne“, so dass „wenn der Segall-Mythos existierte, die auratische Kunst sicher bleiben könnte“. Der Streit verändert den Plan und lenkt den Verlauf der Diskussion ab.

*Celso Favaretto ist Kunstkritiker, pensionierter Professor an der Fakultät für Bildungswissenschaften der USP und unter anderem Autor von Die Erfindung von Helio Oiticica (Edusp).

Ursprünglich veröffentlicht am Zeitschrift für Rezensionen, N^o. 32, im November 1997.

Referenz

Lasar Segall. Claudia Valladão de Mattos. Edusp, 196 Seiten.